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Parmi les interprètes de Beethoven au piano : Eduardo del Pueyo _ l’exemple de la Waldstein : pas assez d’emportement !

15fév

Ayant sous la main le coffret Decca Eloquence _ 484 0193 _ de 5 CDs d’Eduardo del Pueyo

(Saragosse, 29 août 1905 – Bruxelles, 9 novembre 1986)

de l’intégrale de ses enregistrements pour Philips,

au sein duquel figurent 7 Sonates de Beethoven,

les Sonates n° 8  (« Pathétique« ), 14 (« Clair de lune »), 18 (« La Chasse« ), 21 (« Waldstein« ), 23 (« Appassionata« ), 26 (« Les Adieux« ) et 29 (« Hammerklavier« ),

je choisis de commencer mon écoute

par l’emblématique _ à mes oreilles _ « Waldstein« 

_ enregistrée, en stéréo, à la Bachzaal, à Amsterdam, en septembre 1959…

Cette « Waldstein » de 1959 pour Philips d’Eduardo del Pueyo

sonne un peu trop apollinienne à mon goût

_ et cela, en ses trois mouvements : pas assez emportés,

voire parfois exaspérés ! _

et ne comporte pas assez la touche _ variable, bien sûr, d’une œuvre à l’autre _ de colère

qui constitue à mes oreilles un trait idiosyncrasique essentiel

de tout l’œuvre beethovenien.

Mon impression

_ pas assez d’emportement du pianiste ! _

est identique à propos de la « Hammerklavier« 

_ enregistrée, en mono, en la Petite Salle du Concertgebouw d’Amsterdam, en mai 1958.

En son article du 21 juin 2019 sur le site ResMusica, intitulé Le legs Philips d’Eduardo del Pueyo enfin disponible,

l’excellent Maciej Chizinski indique, lui, à propos de cette « Waldstein« – là, très précisément ceci :

 

« le pianiste fait preuve d’un toucher cristallin, résultant probablement d’un usage relativement restreint de la pédale droite. Le finale, tout à la fois solennel et chantant, impressionne par la rondeur du timbre, ainsi que la limpidité des textures dûment maîtrisée, et pourtant frappée au sceau de la fraîcheur, la virtuosité et l’énergie« 

_ « fraîcheur, virtuosité, énergie«  : voilà ce que j’aurais personnellement aimé ressentir, mais n’ai hélas pas éprouvé…

En revanche, c’est tout à fait ce que je ressens

en écoutant et la « Waldstein » et la « Hammerklavier » de Paul Badura-Skoda

en son The Complete Pianos Sonatas played on period instruments,

un merveilleux coffret A 203 (de 9 CDs) que vient de nous offrir le label Arcana…

Ce samedi 15 février 2020, Titus Curiosus – Francis Lippa

Et les Diabelli de Gulda en novembre 1957 à Vienne

11fév

Et voici une autre version infiniment vivante _ et donc satisfaisante _

des Variations Diabelli de Beethoven

_ nécessairement un poil colérique ! _,

enregistrées à Vienne en novembre 1957

par le grand Friedrich Gulda

(Vienne, 16 mai 1930 – Weissenbach am See, 27 janvier 2000) ;

dénichées en un recoin du désordre de ma discothèque…

À ranger à côté des versions aimées de

Stephen Kovacevich,

Ronald Brautigam,

Andreas Staier,

et aussi, maintenant, Filippo Gorini.

Ce mardi 11 février 2020, Titus Curiosus – Francis Lippa

Honneur au génie de Beethoven : une formidable Hammerklavier par Filippo Gorini : le CD Alpha 591

30jan

Je ne cesse de passer

et repasser

sur ma platine

une époustouflante de justesse _ de force, de colère, oui ; mais aussi de chant et d’envol _ Hammerklavier, opus 106, de Beethoven

par le jeune _ vingt-quatre ans _ et combien déjà mûr _ pour incarner à ce point un tel monstre d’œuvre !!! _ Filippo Gorini,

soit le CD Alpha 591.

Et l’œuvre qui poursuit _ sinon achève en audace et mystère sidérant de poésie ! _ le discours musical

est ici la Sonate opus 111,

autre _ et ultime sonate au piano de Beethoven _ inclassable _ et époustouflant _ chef d’œuvre…

Filippo Gorini,

dont nous n’avons certes pas oublié la performance _ déjà _

dans les _ si difficiles à maîtriser, elles aussi… _ Variations Diabelli, il y a deux ans

_ c’était le CD Alpha 239…

Chapeau bien bas, Monsieur !

Bien d’autres interprètes se frotteront

à ces très hautes cimes de la Musique,

en cette année du 250ème anniversaire de la naissance de Beethoven _ à Bonn, en 1770 _,

mais le défi musical discographique

est d’ores et déjà posé très haut !

Et le génie de Beethoven mérite assurément _ vitalement même _ cela…

Car c’est de la vie, de la vraie vie,

que des interprétations de cette exceptionnelle qualité-là

nous donnent à si sensiblement percevoir…

Un CD indispensable !

Voilà…

Ce jeudi 30 janvier 2020, Titus Curiosus – Francis Lippa

Qui pour interpréter aujourd’hui les Sonates pour piano de Beethoven ? Brautigam, Kovacevich, Pletnev…

21jan

L’année Beethoven

_ du 250 ème anniversaire de sa naissance : à Bonn, le 16 décembre 1770 _

donne une très bonne occasion de ré-écouter _ avec une attention plus précise _ Beethoven…

Par exemple, dans ses 32 Sonates pour piano.


C’est ainsi que la performance magistrale de Ronald Brautigam

dans le double album Bis 2274-SACD

des 5 Concertos pour piano et orchestre de Beethoven

_ cf mon article enthousiaste du 28 décembre dernier : _,

m’a donné le vif désir d’écouter Brautigam

aussi dans les pièces pour piano seul de Beethoven…

Je me suis ainsi procuré

le coffret Brautigam des 32 Sonates pour piano de Beethoven _ sur pianoforte : le coffret de 9 CDs Bis 2000 SACD _ ;

ainsi que le coffret Brautigam complémentaire des Complete Variations, etc. pour piano de Beethoven _ toujours sur pianoforte : le coffret de 6 CDs Bis 2403 SACD.

Et tous avec d’époustouflantes prises de son.

Bien sûr, j’adore le jeu vif, léger _ sans maniérismes, jamais _ et ô combien profond de Ronald Brautigam

_ dans la ligne de celui, lui aussi merveilleux, de Stephen Kovacevich…

Beethoven doit être interprété

comme si la musique jaillissait du jeu d’improvisation enchanté

du compositeur…

D’où mon idée de procéder à une rapide _ et certes non exhaustive ! _ écoute comparative

de quelques interprètes choisis,

dans ma Sonate probablement préférée de Beethoven :

la Sonate n° 21, opus 53, dite « Waldstein« 

Ni Andras Schiff, ni Richard Goode, ni Paul Lewis _ dont je possède des intégrales _,

parmi les pianistes de cette génération,

ne me satisfont vraiment

en cette Waldstein..,

à la différence de l’enchantement que me donne

l’interprétation si vivante _ légère et profonde, sans le moindre maniérisme _ de Richard Brautigam…

Et je n’ai pas ré-écouté Stephen Kovacevich

_ dont j’adore aussi l’intégrale Beethoven…

Et tombant, grâce à youtube,

sur une interprétation de Mikhail Pletnev, de cette Sonate Waldstein,

je dois dire que j’aime beaucoup aussi 

sa vivacité _ pleine de feu _

toute de légèreté _ c’est absolument nécessaire ! _ et profondeur, lui aussi…

_ avec une ombre, elle aussi indispensable, de colère.

Beethoven est lui aussi un sommet de la musique.


Ce mardi 21 janvier 2020, Titus Curiosus – Francis Lippa

P. s. :

on s’amusera à regarder l’article _ du 15 février 2019 _  Beethoven’s « Waldstein » Sonata : a guide to the greatest recordings

du magazine Gramophone, et sous la plume de Patrick Rucker.

Beethoven’s ‘Waldstein’ Sonata: a guide to the greatest recordings

Patrick Rucker

Friday, February 15, 2019

Beethoven’s Op 53 represented a revolution in his piano style, says Patrick Rucker, as he sifts through almost a century of recordings

……Beethoven took greater care of his sketchbooks than he did of his finished manuscripts. One of those fabled laboratories of creative imagination is called Landsberg 6, named for a collector who purchased the carefully bound volume after the composer’s death. Beethoven used it from late 1802 through early 1804, covering its 192 pages with several hundred sketches and drafts, including early ideas for both the Fifth and Sixth Symphonies, as well as for the Triple Concerto and Fidelio. But the most extensive sketches are those for two large-scale works, each of which would be a pivotal landmark in its genre: the Eroica Symphony and the Waldstein Sonata….

The Sonata in C major, Op 53, was published in Vienna in May 1805 with a dedication to Beethoven’s early friend and patron Ferdinand Ernst Gabriel, Count von Waldstein (1762-1823). Born in Vienna, Waldstein lived in Bonn from early 1788, where he was made a knight of the Teutonic Order and became a privy councillor to the Archbishop-Elector. One contemporary report mentions that the young composer ‘often received financial support’ from Waldstein, ‘bestowed with such consideration for his easily wounded feelings that Beethoven usually assumed they were small gratuities from the Elector’. It was the Count who, in November 1792, wrote in Beethoven’s album the oft-quoted prediction: ‘With the help of unceasing diligence you will receive the spirit of Mozart from the hands of Haydn.’ Although the two men had long been out of contact, Beethoven’s dedication of Op 53 was the richest possible fulfilment of his friend’s prophecy.

The most obvious feature distinguishing the Waldstein from the 20 sonatas Beethoven had already published is its extraordinary technical challenge, well beyond the ken of any amateur pianist of the day. A review in the Allgemeine Musikalische Zeitung concludes: ‘The first and last movements belong among the most brilliant and original pieces for which we are grateful to this master, but they are also full of strange whims and very difficult to perform.’ Unlike any other sonata, all three movements of Op 53 begin pianissimo. An extraordinary sense of propulsion is established at the outset of the opening Allegro con brio, also without parallel in Beethoven. Moreover, as Charles Rosen pointed out, many harmonic, figurative and textural procedures that had formerly been reserved for concertos are introduced into the framework of a sonata for the first time, lending the Waldstein its special drama and brilliance. The sonata’s expanded keyboard compass, along with its unconventional pedal indications, was clearly inspired by the fine Érard piano that the Paris maker sent Beethoven in 1803.

Beethoven himself never played his sonatas publicly, though it seems his pupils Carl Czerny, Dorothea von Ertmann and Ferdinand Ries did. Ignaz Moscheles too was an important early Beethoven exponent but it was the later generation of Franz Liszt and Clara Schumann who fixed the sonatas at the core of every pianist’s repertoire. Two pupils of Czerny who would become prolific teachers themselves, Liszt and Theodor Leschetizky, established the pianistic bloodlines leading back to Beethoven that, as demonstrated in this discography, are still traceable today.

As befits an innovative and visionary artwork that has been the object of widespread, admiring attention during the 214 years of its existence, some 175‑odd recorded performances crowd the current catalogue. A mere 20 have been considered here, unfortunately excluding many distinguished Beethovenians – Edwin Fischer, Rubinstein, Kempff, Arrau, Annie Fischer, Kovacevich, Pollini, Goode and Schiff among them. My choices were motivated by the diversity of approach _ voilà ! _ the Waldstein has inspired, the chance to advocate for lesser-known recordings and, of course _ yes indeed… _, personal preference.

Echoes of the 19th century

Of the last generation of Liszt pupils, the Scots pianist Frederic Lamond was internationally acclaimed as a pre‑eminent Beethoven player. One of his favourite recital programmes began with the Hammerklavier, followed by Opp 110 and 111 and the Waldstein _ un superbe programme ! _, and concluded with the Appassionata _ wow ! Ward Marston’s superb transfers of the 1922‑23 Waldstein Lamond made for HMV give a good idea of what a formidable Beethoven interpreter he must have been. Lamond’s playing has an inerrant sense of momentum and a high degree of accuracy, and is filled with vivid contrasts. Interestingly, Lamond doesn’t observe the slight caesuras between texturally contrasting sections that most players do today, as for instance in preparing the chorale-like second theme of the first movement. There is also a tendency, typical of the period, to short-change rests. What does emerge is a structural grasp that lends the sonata a compelling expressive arc, without stinting on detail. The sprightly, brilliant and beautifully paced Prestissimo coda of the last movement is a sheer delight. Above all, Lamond’s enveloping love of the music seems to permeate every bar.

More than any other pianist, Artur Schnabel is virtually synonymous with Beethoven. He first played the series of 32 sonatas at the Berlin Volksbühne in 1927, repeating the cycle in Berlin again, London and New York. Despite his ambivalence towards the studio, Schnabel’s complete Beethoven sonata cycle for HMV, set down between 1932 and 1935, was the first to be recorded. The continued prestige of Schnabel’s recordings, however, is not due solely to precedent but to their enduring musical qualities. In many ways, his Waldstein is typical of his way with the middle-period sonatas : extremely rapid outer movements, sometimes hectically rushed, and an extraordinarily slow middle movement that collectively result in a cohesive and intellectually compelling performance of singular power. Another Schnabel trademark, figuration played with great expressivity, is also prominent throughout.

On April 18, 1969, four months prior to his death at 85, Wilhelm Backhaus was recorded in a recital at the Berlin Philharmonie consisting of four Beethoven sonatas : Opp 28, 31 No 3, 53 and 109. One of the strongest techniques in modern piano-playing was still relatively intact. Even more remarkable is that Backhaus’s musical sensibility, essentially formed before the turn of the 20th century, sounded so freshly robust. Here, after all, was a pianist who studied with d’Albert and had been discovered by Nikisch. Naturally, Backhaus’s Waldstein contains discernible hints of his advanced age and musical vintage. More than a few octaves are split, for example, chords in both hands are slightly arpeggiated on occasion and the Prestissimo coda is slowed down to accommodate octave glissandos played from the wrist. Nevertheless, Backhaus’s straightforward, heroic concept, imaginative exploitation of instrumental sonority and proliferation of finely executed details mark his Waldstein as fully representative of the 19th-century ‘grand manner’.

Walter Gieseking, on the other hand, came of age during the 20th century, and his Waldstein, recorded in 1951, exhibits some aspects recognisable as 19th-century holdovers and others as more modern. The Allegro con brio, played without repeat, is one of the more relaxed of the recordings examined here. There is little of the flawless legato and intellectual rigour of Schnabel or the robustness of Backhaus. The Adagio molto of the middle movement is sped up to an andante comodo, mitigating its contrast with the outer movements. Ultimately, Gieseking’s fastidious Waldstein sounds more dutiful than inspired. In his defence, Harold Schonberg observed that listening to Gieseking after the Second World War was almost like hearing a different pianist.

 

Emerging voices after the Great War and beyond

Within eight days in 1903, two pianists who became noted Beethoven exponents were born in the Habsburg Empire : Rudolf Serkin (born March 28 in Eger, now Cheb, Czech Republic) and Lili Kraus (April 3 in Budapest). In concert, Rudolf Serkin projected a disarmingly human persona. One felt in the presence of a formidable musician, deeply reflective, always modest and self-effacing, who shared with his listeners both the loftiness of his goal and, however unwittingly, the herculean effort its achievement cost him. Something of this self-imposed pressure, as well as his innate personal sweetness, carries over into Serkin’s 1952 recording (he re‑recorded the Waldstein in 1975 and in a still unreleased 1987 session). Serkin’s extrovert reading, with its pervasive non-legato in the opening Allegro, some heavy lifting in the Rondo and overall steely sound renders this a monument to Beethoven in handsome, rusticated stone.

 

During the 1920s Lili Kraus often made her debut with various European orchestras playing Beethoven’s Fourth Concerto. However, it was her widely admired recordings of the violin sonatas with Szymon Goldberg the following decade that secured her reputation as a Beethoven interpreter. In her 1953 Waldstein, the opening repeated quavers create an uncanny sound, evoking lower strings using the smallest bow strokes, as though a continuously sounding triad were pulsating. Throughout the movement, the dynamic elements of the sonata-allegro dialectic are vividly characterised. The Introduzione describes a new landscape, self-contained and rhetorically poised. When profound introspection yields at last to open vistas, the music embarks on a lofty trajectory that lasts until the Prestissimo coda, which erupts in a celebration so ebullient that its earthy roots cannot be denied.

However complicated the artistic legacy of Emil Gilels may have become in light of post-Soviet historiography, the high standards of his pianism remain inviolable. Most pianists would prefer tackling the Waldstein after warming up to the hall and audience but Gilels was so comfortable with the piece that he didn’t hesitate to programme it first in his recitals. His 1972 recording for DG was intended as part of a complete set of Beethoven sonatas left unfinished at his death. Gilels’s preference for the Apollonian over the Dionysian produces an opening movement with an unhurried Allegro minus the con brio. The Adagio remains imperturbable throughout, resulting in a Rondo that, despite all its sonorous beauty and indisputable decorum, is slightly anticlimactic. If one is left wanting a greater degree of personal involvement, Gilels’s finely calibrated technical polish can still inspire awe, even in our age of technically flawless pianism.

Listeners with no first-hand experience of the iconoclastic, fiercely contrarian pianist Friedrich Gulda who, from the 1950s, actively pursued interests in jazz and composition alongside his career as a classical pianist, may be surprised to hear in his Waldstein scant evidence of the improvisational freedom or personal utterance his extra-classical interests might suggest. Temperamentally, Gulda’s interpretations tended towards the objective. If less strait-laced than his Bach performances, this taut and stringent Waldstein from 1957 seems little concerned with variety of touch or colour. Gulda’s liberation from what he came to consider the hidebound rigidity of his classical training was yet to come.

As befits a career in which Beethoven has occupied prime real estate, the Waldstein of Alfred Brendel commands great authority. Had Brendel not written perceptively about many aspects of Op 53, it would be obvious from his performance alone that his final conception emerged only after all possible interpretative implications were scrutinised and weighed. Brendel’s Waldstein contains extraordinary richness in both colour and detail that yearns towards Romanticism, yet remains within Classical realms in its objectivity and proportion. His ability to vividly convey Beethoven’s mighty architecture, to disambiguate points of departure and arrival, is one of Brendel’s many strengths. His seriousness of purpose is echoed in the Philips engineers’ wonderfully lifelike sound in this 1993 recording, allowing us to hear not only the piano but the room as well.

When Daniel Barenboim first played the 32 Beethoven sonatas in Tel Aviv in 1960, he was the youngest pianist in recent memory to play the entire cycle publicly. Certainly few recording artists may claim a closer first-hand relationship with Beethoven, since Barenboim’s experience as both conductor and pianist includes the symphonies, concertante works and choral and chamber music, in addition to solo piano works. The Waldstein considered here was filmed live during eight concerts at the Staatsoper Unter den Linden, Berlin, in June and July 2005. First released as an EMI DVD set, it has subsequently been released as CDs on Decca. In clarity and precision, with every element scrupulously ordered, Barenboim’s Waldstein is probably sui generis. His perfectly gauged, pure sound is a marvel and could serve as a metaphor for Barenboim’s intellectually honest playing. Yet the flipside of this Olympian conception is a certain sense of removal from emotional immediacy. The performance of this particular sonata seems curiously free of spiritual struggle, without which an urgent sense of resolution remains remote.

 

The later 20th and early 21st centuries

It is more than three decades since Jenő Jandó recorded Op 53 as part of his complete series for Naxos, turning in a performance that has proudly withstood the test of time. When Jandó’s Beethoven is mentioned among recommendations for complete sets, as it almost invariably is, the discussion always seems prefaced by ‘for the budget-conscious’. Certainly this Waldstein needs no such qualification. In a vibrant and sparklingly clear Allegro con brio, phrases are given plenty of room to breathe, even as Jandó maintains a propulsion that brooks no impediment. This is no engine firing on all cylinders but an implacable forward surge, fuelled by boundless exuberance. But there’s more here than visceral excitement. Once the development really gets cooking, conscientious artists will sometimes over-characterise the thematic hide-and-seek, creating an inadvertently comic effect. Jandó takes another path. He creates a steady build almost from the beginning of the development, incrementally increasing in tension and mass until we feel perched at the summit of a towering mountain range. Then, with a sudden turn of the wheel, we’re back in the open terrain of the recapitulation, in a display of exhilarating mastery that seems a force of nature.

When the definitive cultural history of music-making after the Second World War is written, surely the so-called Historically Informed Performance movement will loom large. For pianists, its influence has spread beyond practitioners of early instruments and enriched mainstream pianism. According to Ann P Basart’s discography The Sound of the Fortepiano, Jörg Demus made the first recording of the Waldstein on a historical instrument in 1970, using an 1802 Broadwood. It was over a decade before the next recordings appeared, by Paul Badura-Skoda, Malcolm Binns and Anthony Newman, all in 1981.

 

The first of the two ‘original instrument’ recordings in this discography, however, is the 2007 recording of Ronald Brautigam. His Waldstein uses a Paul McNulty replica of a Conrad Graf instrument from about 1819 _ voilà _ and is part of a series of Beethoven’s complete piano music on BIS. Listening to Brautigam, we hear the special qualities of clarity and definition, the pure colour palette, the differentiation of registers and the altered proportions inherent in early 19th-century pianos. But we also hear ardent, witty, perceptive music-making of breathtaking virtuosity and charm _ absolument !

 

Louis Lortie, on the other hand, seems intent on mining every last expressive nuance the modern piano is capable of in his 1991 Waldstein. The shapely phrasing and flowing contours make this a sensually beautiful reading. Not surprisingly for a pianist who excels in many varied repertories, Lortie seems fully present in every bar. The same might be said of Andreas Haefliger, each annual instalment of whose ‘Perspectives’ series, begun in 2004, is built around a Beethoven sonata or two. He plays a heartfelt and stylish Waldstein that is rhetorically apt and rich with imagery. Surely few pianists are more dedicated to Beethoven than Haefliger, and his programming is a strong argument for recording the sonatas over an extended period rather than during the two- or three-year total immersion that many pianists have required to record all 32. François‑Frédéric Guy set himself the extraordinary challenge of recording his sonata cycle live in 2010 in Ricardo Bofill’s exquisite, repurposed room of the Arsenal in Metz. The outer movements of his Op 53 are not overly fast but appropriately energetic. The Adagio molto, on the other hand, is very slow indeed and provides not only contrast but the platform from which the Rondo takes wing, with plenty of reserves left over for the Prestissimo coda.


The Waldstein of Steven Osborne is at once original in concept and the attainment of a classical ideal. In an Allegro con brio fairly bursting with energy and rhythmical élan, the overriding impression is one of profound lyricism. Beautifully shaped phrases are set in textures of sumptuous variety. Osborne has an amply equipped arsenal of attack-and-release strategies throughout his range but his infinitely calibrated dynamics are most remarkable at the soft end of the spectrum. The intricate drama of the development unfolds with an urgency that keeps you on the edge of your seat, uncertain of the outcome. Any shift from this heightened level of excitement might seem abrupt but the Adagio immediately establishes the aura of hallowed realms, imbued with oracular mystery. From there, an atmosphere of ethereal calm attends the first glimpse of the Elysian Fields at the beginning of the Allegretto moderato. The remaining peaks and valleys are navigated without misstep and always with an eye towards grandeur.


Steeped as he is in the idioms of Beethoven and Schubert, Paul Lewis plays an Op 53 that can afford to part company with the mainstream. Eschewing extroversion, the opening Allegro seems almost quietly confiding. In fact, an aura of intimacy envelopes the entire sonata, appealingly and quite persuasively, thanks to the earnestness and strength of Lewis’s musical personality.

Listening to Jonathan Biss’s 2013 Waldstein, one intuits a musical sensibility whose prime motivating purpose is the understanding and imaginative re‑creation of Beethoven. This sensibility is fortified by deeply cultured musicianship, enriched with an aural imagination satisfied only with the fullest exploitation of the piano’s expressive sonorities. In combination, these attributes result in a grippingly persuasive Waldstein. The Allegro con brio proceeds as if an epidemic of energetic joy were run rampant. The voice speaking at the outset of the Adagio is so self-effacingly reverent that when it rises in eloquent song, it comes as a surprise. Certainly flight informs the finale, but so do the roar of cataracts, the progress of mighty rivers, great winds and abundant sunshine. At the Prestissimo coda, it’s as though every bell in Vienna has begun to ring at precisely the same moment. This is a Waldstein that fulfils Cicero’s rhetorical imperative to inform, persuade and delight, though Biss provides a triple measure of the latter.

 

Extraordinary poise and polish characterise the 2015 Waldstein of Boris Giltburg. The same freshness of vision encountered in his superb Rachmaninov recordings is evident, as though the interpretation had been painstakingly built from the ground up, free of preconceptions or received wisdom. Transparent textures have the clarity of a mountain spring and Beethoven’s architecture is cast in a brilliant light. (More’s the pity he omits the repeat of the first-movement exposition.) There are moments, however, when Giltburg’s penchant for clarity puts him at odds with the washes of sound Beethoven clearly indicates with his lavish pedal markings. The Rondo seems somehow restrained, as if Giltburg were bridling his natural instincts. But it’s in this same Rondo that his extraordinary left hand, seemingly with a mind and will all of its own, is showcased.

The last of our Waldsteins is also, hands down, the most orchestral in sound. That is due in part to the excellent fingers and aural imagination of Olga Pashchenko but also to her instrument : a Viennese by Conrad Graf from 1824, held at the Beethovenhaus in Bonn, which dates from one of the more extravagant periods of piano manufacture and has, among other features, five pedals. The qualities of this piano, which can sound so exotic to us, were in fact typical of the instruments Beethoven knew and loved.

Conclusion

There are four recordings I value above the others _ voilà les préférences de ce critique musical _ , which means they’re the ones I listen to most frequently, always with pleasure. They have certain things in common. Each artist seems to me fully present _ voilà _ in every note and has internalised Beethoven’s message, as each understood it, to the extent of making it completely his or her own. Recreating this unique masterpiece via the medium of recording, all seem to have done so with great conviction and from a full and open heart.

The earliest is that of Lili Kraus, whose conception strikes a balance between extroversion and inward eloquence, bringing to mind some of the finer aspects of European sensibilities before the Great War. I treasure Jeno˝ Jandó’s performance for its bracing emotional health and unaffected candour. Very few pianists before the public today equal Steven Osborne’s sovereign mastery of so many diverse repertories; Osborne’s Beethoven speaks with earnestness and moral authority, and his Waldstein Sonata, in terms of clarity, proportion and sheer beauty, exemplifies a lofty classical ideal. But if some cruel circumstance left me with the choice of only one recording of the Waldstein for the rest of my days, I would take the one by Jonathan Biss, for its wit and youthful optimism, its breadth and the humanity that informs its portrayal of Beethoven’s masterpiece.

 

The Historical Choice

Lili Kraus 

Without exceeding classical restraint and proportion, Lili Kraus, in her 1953 recording of Beethoven’s Waldstein Sonata, achieves a rhetorical eloquence that is simultaneously exalted, richly imaginative and deeply personal.

 

 

The Budget Choice

Jenő Jandó 

From beginning to end, Jenő Jandó exudes a robust health and directness of utterance that guarantees this Waldstein – now over 30 years old and part of Jandó’s complete sonata cycle for Naxos – a place among the most satisfying.

 

The Spiritual Choice

Steven Osborne 

..;

Over the course of 27 riveting minutes, Steven Osborne creates a trenchant musical narrative spanning three disparate movements, suggesting a compelling spiritual journey of transformative power.

 

The Ultimate Choice

Jonathan Biss

Jonathan Biss launched his highly regarded Beethoven sonata survey in 2012 and it continues with annual releases. There is something elemental in the way Biss evokes the titanic Beethoven _ voilà ! _ but he does so with the most exquisite, unforced, multi-dimensional sound, rendering it profoundly human.

Selected Discography

Recording Date / Artists / Record company (review date)

1923 Frederic Lamond / Marston 52701-2 (4/25R)

1934 Artur Schnabel / EMI/Warner Classics 265064-2 (10/36R, 8/09); 9029 59750-5 (12/15)

1951 Walter Gieseking / EMI/Warner Classics 567585-2 (10/53R)

1952 Rudolf Serkin / Music & Arts CD1141

1953 Lili Kraus / Erato (31 discs) 2564 62422-3 (1/15)

1957 Friedrich Gulda / Decca 443 012-2DF2

1969 Wilhelm BackhausAudite AUDITE23 420

1972 Emil Gilels / DG 419 162-2GH (11/72R, 8/86)

1987 Jenő Jandó / Naxos 8 550054

1991 Louis Lortie / Chandos CHAN9024 (4/92)

1993 Alfred Brendel / Philips 438 472-2PH (11/93)

2005 Daniel Barenboim / EMI 368996-9; Decca 478 3549DX10

2006 Paul Lewis / Harmonia Mundi HMX290 1902/11 (12/06R)

2007 Ronald Brautigam / BIS BIS-SACD1573

2008 Steven Osborne / Hyperion CDA67662 (6/10)

2008 Andreas Haefliger / Avie AVIE2173 (7/10)

2010 François-Frédéric Guy / Zig-Zag Territoires ZZT304 (A/12)

2013 Jonathan Biss / Onyx ONYX4115 (3/14)

2015 Boris Giltburg / Naxos 8 573400 (10/15)

2016 Olga Pashchenko / Alpha ALPHA365 (10/17)

This article originally appeared in the January 2019 issue of Gramophone.

Face à l’énigme du devenir (poïétiquement) soi, l’intensément troublant « Dialogue avec les morts » (et la beauté !) de Jean Clair : comprendre son parcours d’amoureux d’oeuvres vraies

27mar

Dialogue avec les morts, de Jean Clair,

qui paraît ce mois de mars aux Éditions Gallimard,

est un livre (de vérité ! _ par sa profonde probité ! _) rare à ce degré d’intensité (!!!)

de trouble… :

tant de son auteur l’écrivant,

que des lecteurs qui le découvrent _ et partagent !

et s’en enchantent !!! _,

au fil de ses chapitres,

dont voici les titres successifs :

l’âge de lait (pages 13 à 50),

l’âge de craie (pages 51 à 91),

les mots (pages 93 à 116),

la ville morte _ c’est Venise ! splendidement analysée : un labyrinthe (sans perspectives…) pour métamorphoses (carnavalesquement et très discrètement, à la fois…) secrètes !.. _ (pages 117 à 135),

Hypnos (pages 137 à 153),

l’âge de fer (pages 155 à 178),

la débâcle (pages  179 à 205),

l’âge de chair (pages 207 à 234),

Eros (pages 235 à 254) ;

et, enfin (pages 255 à 280) _ c’est le chapitre ultime du livre : le cinquième et dernier volume de l’autobiographie de Thomas Bernhard, porte (après L’Origine, La Cave, Le Souffle, Le Froid…) presque le même titre : Un Enfant, lui… _,

une enfance

Il s’agit,

en l’aventure intensément troublante de cette écriture (de rare probité : celle à laquelle nous a accoutumés Jean Clair ! de livre en livre, comme de commissariat d’exposition en commissariat d’exposition…) en dialogue avec des voix désormais tues

_ mais lumineusement audibles à qui ose se rendre (et se tendre…) vers elles, et les recevoir (accueillir, écouter) : humblement « dialoguer«  _ oui, voilà… _, enfin… ; si loin, mais en même temps si près, ces « voix«  ombreuses-là, pour peu que l’on ait appris (et consenti) à devenir, silence fait autour (et muri…), enfin « véritablement«  attentif à leur ténue et essentielle musique

qui, encore, s’adressant à nous, toujours, persiste… _

il s’agit, donc,

d’un face à face rétrospectif,

l’âge venu _ celui des rétrospections : « Je suis né le 20 octobre 1940. Ce jour-là, à Paris, pouvait-on lire dans les journaux, il n’y avait plus une seule patate à vendre _ ni, surtout, à pouvoir acheter et se mettre sous la dent… _ sur les marchés. C’était la débâcle. On m’envoya à la campagne«  : en Mayenne, le pays d’origine de sa mère ; ainsi débute le livre, page 15… _,

avec _ ce face à face, donc, rétrospectif… _

avec la formation de lui-même _ de Jean Clair _,

en ses enfance, adolescence et jeunesse

_ du temps que son prénom n’était pas Jean, et que son nom, reçu de son père, morvandiau, était Régnier : mais on trouve aussi des Régnier, et en Flandres, et à Venise (Ranier, ou Ranieri…) ; cf à la page 264 : « Quel étrange détour par l’écriture me faisait réexhumer des passages et réinscrire des palimpsestes que des arrière-parents, dont je ne savais rien, avaient autrefois tracés, quelque part entre Bruges et la Sérénissime ?«  ; avec ce résultat, majeur !, page 265 : « L’écriture est un refuge et un foyer : ce qu’elle désigne, c’est précisément l’impossibilité d’en appeler au Père. Elle trace les repères d’une topographie imaginaire _ où Venise est alors, dans le cas de Jean Clair, à la façon de New-York pour d’autres transhumants encore, un passage (de ressourcement créatif !) crucial ; et pour toujours ! _, dans l’espoir insensé _ malgré tout ! _ d’y découvrir une toponymie familiale« … : j’y reviendrai ! ce point est capital ! _ :

rétrospection

de la naissance (le 20 octobre 1940) jusqu’à la mort de son père (en 1966 ou 1967),

quand le jeune homme passablement turbulent et « en colère » qu’il avait été (en cette jeunesse

_ « quelque temps même ce purgatoire _ celui de son enfance mayennaise, à la Pagerie : cf les premiers chapitres : « l’âge de lait« , « l’âge de craie«  _ devint un enfer« , page 237 : « je devenais la proie de colères violentes » ;

au point qu’« on m’envoya consulter dans ce qu’on appelait alors un dispensaire public d’Hygiène sociale. J’y fus accueilli par une jeune psychologue qui, un peu désemparée, m’adressa à un « psychanalyste », mot nouveau, étrange, inconnu, qui cachait sans aucun doute des savoirs étonnants« , page 237 toujours. « C’était une femme d’une cinquantaine d’années, l’une des premières en France à avoir imposé en hôpital public cette spécialité et à pouvoir l’exercer » : une rencontre déterminante ! « Elle avait été comme ma seconde mère » (celle qui « avait appris la parole » (page 240), même si « les mots ne me viendraient jamais comme il faut _ « faute d’une aisance de naissance que je ne posséderais jamais«   _, comme si je n’avais _ jamais _ pu _ in fine… _ tout à fait _ voilà ! _ me réconcilier« … : j’y reviendrai aussi : c’est l’épisode-seuil sur le chemin de soi, en critique d’art exigeant !, de Jean Clair !.. _),

quand le jeune homme passablement turbulent et en colère, donc, qu’il avait été

_ et demeure, d’une certaine façon (mais contenue et polissée…) encore ! : « la seule rage qui m’habite encore, c’est celle du malappris que je suis resté, et qui parfois explose en mots orduriers. Comme un réflexe primitif, l’enfance remonte en moi. La colère, je crois, ne me quittera jamais« .., voilà !, page 240 _

perdit

_ lui-même était alors en sa vingt-septième année : « à vingt-six ans, quand il _ le père, donc _ avait disparu _ soit en 1966, ou 67 _, j’avais quitté mes études, et, mal à l’aise, n’avais rien décidé de mon avenir, perdais mon temps et multipliais les échecs.

Beaucoup de mon comportement et de mes décisions ultérieurs serait dicté par l’angoisse de réparer _ voilà ! _ cette impression _ laissée au père _, alors qu’il avait dû, en vérité _ tous les mots comptent ! _ emporter sa tristesse et ses craintes dans sa tombe, irrémédiablement », page 254 : voilà ce à quoi il faut donc impérativement et  comme cela se pourra, « remédier«  ! et ce qu’accomplit, probablement, ce livre !!!

même si on lit, page 279, soit à peine vingt-cinq lignes avant le mot final (« les armoires fermées à clef de son enfance« , page 280..), ceci : « J’imagine en ce moment que mon père frappe à la porte, que je lui ouvre et qu’il me dit : « Pardonne-moi, je suis en retard »… Sans prendre le temps d’être saisi, je me précipiterais vers lui et je l’enlacerais, et ce baiser serait si long, pour dissiper le silence et l’absence de toutes ces années d’enfance où il était là et où je ne lui parlais pas, qu’il y faudra tout le temps _ voilà ! _ qui me sépare de ma propre mort« _

quand le jeune homme

turbulent et en colère

perdit, donc,

son père…

Jean Clair entre maintenant _ le 20 octobre 2010 _ en sa septième décennie de vie :

quel nom donne-t-il à ce nouvel « âge » sien-ci de vie ?..

Peut-être celui _ tant qu’il est encore temps : de l’écrire ! Jean Clair est (toujours, encore…) un homme davantage de l’écrire que du parler… : « parler, c’est toujours un peu commander, au moins imposer le silence autour de soi. C’est un travers. Pourquoi parler en tout cas, quand ce n’est pas pour demander ou pour commander ?« , lit-on page 96… _

du « règlement de la dette« 

envers ceux auxquels

l’homme accompli qu’est devenu Jean Clair

doit le plus…

_ cf le commentaire au cadeau paternel de « la tourterelle grise et rose, attrapée dans les champs de son pays« , le Morvan (ce récit, avec cette expression, se trouve page 252 ; cf aussi La Tourterelle et le chat-huant ; ainsi que mon article du 27 mars 2009 : Rebander les ressorts de l’esprit (= ressourcer l’@-tention) à l’heure d’une avancée de la mélancolie : Jean Clair…) : « C’est la colombe qui, succédant au corbeau, vient annoncer aux passagers de l’Arche que la terre approche, et avec elle le salut. Symbolisant le vol de l’âme, serrée dans la main tendue par-dessus le vide, l’oiseau blanc assure la transmission des générations _ voilà ! _, le geste d’amour qui permettra aux enfants de reconnaître la dette et de la diminuer peut-être« , aux pages 252-253 : des éléments cruciaux, comme on voit…

Car « retrouver l’écho _ voilà ! persistant ! et non repoussé… _ des voix de ceux qui ont disparu

me retient désormais _ voilà ! _ avec une force que j’ignorais autrefois _ tant inconsciemment que consciemment : les deux !

C’est sans doute que,

le temps aidant _ il faut le prendre à la lettre : le temps peut, et très effectivement !, « aider » ! si on y met aussi un peu du sien : à travailler avec lui, en ses forces… _,

le fait de me rapprocher d’eux

et de m’éloigner des vivants

_ en proie à bien des « débâcles« , tant et tant (même si pas tous : beaucoup trop !..) ; cf la terrible vérité des croquis de personnes dans le très beau chapitre « La Débâcle«  ; par exemple, à côté de ceux des S.D.F., celui, pages 195-196, du « monomaniaque du mobile« , avec cette conclusion-ci : « ce dialogue avec les spectres, où un individu dans le désert des hommes ne connait que lui-même, me paraît plus inquiétant que celui du bigot ou du fou quêtant son salut ou apprenant sa damnation d’une voix qui sort de bien plus loin que du petit cercle de ses semblables. Cette clôture _ étroitissime ! _ de l’homme sur l’homme seul et parmi les hommes, c’est ce qu’on appelait jadis, probablement, l’Enfer«  _

me les fait entendre plus distinctement _ oui _, et sur un ton plus grave _ et comme profond : d’« élévation« , en fait et plutôt : « monter, accéder à la lumière, élucider, maîtriser les apparences, ce sont des images qui me paraissent préférables à celles qui supposent de se laisser couler vers on ne sait quel abîme _ profond ! et sans fond… _ de l’être, qui n’est que ténèbres, étouffement et solitude« , précise Jean Clair, page 100… _,

par un phénomène spirituel _ voilà _ guère différent de l’effet Doppler en physique« ,

peut-on lire page 97…

Et Jean Clair de préciser, un peu plus bas, pages 97-98 :

« Ce dialogue _ avec réciprocité : davantage qu’autrefois, moins timide… _ avec les morts,

une fois qu’on ne peut plus les entendre _ in vivo _,

prend une forme singulière quand il devient un dialogue avec ses parents ou ses proches

_ Jean Clair évoquera aussi, même si ce sera fort discrètement et très, très rapidement, et à l’occasion du goût

(voire de la cuisine _ cf page 247, en un passage, du chapitre « Eros« , intitulé « L’Apprentissage du goût«  : « Les femmes que l’on a aimées vous ont ouvert avec douceur le royaume des sensations nouvelles jusqu’à pousser la porte de la cuisine. La mère nourricière se confond avec l’amante attentive, dans l’apprentissage _ voilà ! être homme, c’est apprendre ! _ qu’elles offrent l’une et l’autre, au palais du jeune homme que l’on fut, des saveurs, des douceurs et des amertumes d’un genre plus domestique que celles de l’amour des corps, et néanmoins aussi précieux. « Ici aussi les dieux sont présents », avait dit Héraclite près de son four _ une citation qui m’est aussi très précieuse ! C’est une autre version de la Madone au bol de lait, ou à l’auréole d’osier, avec l’ange qui vient familièrement s’inviter à la table« , page 247, donc… _ ),

en de furtifs superbes portraits à peine crayonnés _ à la Fragonard… _,

Jean Clair évoquera aussi, donc,

les femmes qu’il a aimées,

et ce qu’elles lui _ ainsi « conduit par de jeunes fées« , dit-il, page 246 _ ont

merveilleusement généreusement donné

_ le livre lui-même est dédié, page 9, « A la jeune fille«  ;

de même, qu’a pour titre « La Jeune fille«  une partie (très courte) du chapitre « Eros«  ;

que voici, même, in extenso :

« Plus elle avance dans la vie _ voilà ! _

et plus,

sur le cliché qu’on a pris d’elle un jour, bien avant que je la rencontre,

et où elle apparaît radieuse, les mains tendues vers un inconnu demeuré hors champ,

je la vois rajeunir,

me semble-t-il,

comme si les années qu’elle additionne de ce côté-ci du temps

lui étaient à mesure retirées de la photo ancienne,

au point qu’elle finira par m’apparaître sans doute comme cette adolescente

que je regretterai toujours de n’avoir pas connue« 

On échange _ enfin ! _ avec eux

_ « ses parents ou ses proches« , donc,

je reprends le fil de la citation, après l’incise de « La Jeune fille«  _

on échange avec eux

les mots qu’on aurait aimé leur adresser quand ils étaient vivants

et qu’il n’était pas possible _ = trop difficile, alors ! On n’en avait encore acquis la force d’y parvenir ! _ de leur dire.

Ces mots, on les imagine _ maintenant ; et désormais.

Et comme ils ne provoquent pas de réponse _ nette _,

ils se fondent dans un silence embarrassé« …

_ voilà qui m’évoque le dialogue (bouleversant de probité, lui aussi !) avec son épouse disparue, Marisa Madieri,

de l’immense (triestin

_ et Trieste, sinon Magris lui-même, est présente dans ce livre-ci de Jean Clair : aux pages 257 à 266… ;

ces pages, intitulées « Les Miroirs de Trieste« , ouvrent même l’ultime chapitre du Dialogue avec les morts de Jean Clair , « Une enfance« )

voilà qui m’évoque, donc,

le dialogue (bouleversant de probité, lui aussi !) avec son épouse disparue (en 1997), Marisa Madieri,

de l’immense (triestin) Claudio Magris,

en son si intensément troublant (et étrange, et profondément grave), lui aussi,

et sublime,

Vous comprendrez donc :

...

Dialogue avec les morts et Vous comprendrez donc : deux immenses livres

intensément troublants

qui s’adressent à la plus noble (et formatrice : civilisatrice !) part d’humanité des lecteurs que nous en devenons…

De Marisa Madieri,

séjournant de l’autre côté de l’Achéron depuis 1997,

lire le lumineux Vert d’eau, édité en traduction française à L’Esprit des Péninsules…

Et sur la Trieste de Claudio Magris,

courir au merveilleux Microcosmes !!

Et, un peu plus bas encore, page 98,

face à la difficulté de,

en ce quasi impossible dialogue à rebrousse-temps (irrémédiablement passé !), avec les disparus,

face à la difficulté, donc,

de partager (avec eux, les années ayant passé…) la pratique d’une même langue :

« Mais la plupart du temps, comme dans les rêves,

il n’est pas besoin de parler,

la présence suffit

_ voilà !

précise Jean Clair ; parmi un monde de fuyards s’absentant (frénétiquement ou pas) de tout, à commencer d’eux-mêmes et de l’intimité (charnelle) aux autres ; cf ici le beau livre (important !) de Michaël Foessel, La Privation de l’intime ; et mon article du 11 novembre 2008 : la pulvérisation maintenant de l’intime : une menace envers la réalité de la démocratie

On parle le langage des sourds-muets.

On ne signifie rien,

on ne signale pas,

on signe, simplement« …

_ on fait (enfin ; et pleinement !) simplement acte (plénier)

de reconnaissance : de sujet humain à sujet humain ;

de visage à visage

_ sur la « visée du visage« ,

à partir de l’exemple de la peinture d’Avigdor Arikha (« une peinture qui dit tout, rien que tout, mais tout du tout qui se présente aux yeux« , page 59…),

et débouchant sur une « histoire (…) qu’il faudrait enseigner dans les écoles« , celle qui lie et relie Monet, Bonnard, Balthus et Lucian Freud : « de Monet à Freud, une chaîne s’est formée d’individus qui se reconnaissaient _ voilà _ et qui cherchaient à se parler _ oui ! _ et à transmettre un métier« … : c’est tellement précieux !

Et « de Balthus à Lucian Freud : toute une famille de peintres a rappelé, après la guerre comme avant, qu’un visage était sans prix _ voilà !

Les trois derniers _ soient Bonnard (1867-1947), Balthus (1908-2001) et Lucian Freud (né en 1922) _ ont été les témoins d’une époque où, mû par une idéologie démente, on s’était mis à immatriculer les gens. Ces gens qu’on dénombrait, après les avoir dévisagés, et dont on inscrivait le chiffre sur la peau à l’encre indélébile, craignait-on qu’on n’arrive plus, au Jugement dernier, à les reconnaître et à les distinguer ?

Ce fut l’entreprise la plus meurtrière que l’homme _ individus, un par un, comme l’espèce entière ! _ ait affrontée.

Les vivants ont le nez droit ou recourbé, court ou allongé, mais la mort a le nez camus ; tous les morts ont le nez camus. Pour les distinguer à nouveau, il faut leur refaire un visage. Le peintre y répond _ en peintre ! _ comme il peut : les gens se reconnaissent, non pas à leur numéro d’abattage comme les brebis, mais à leur visage, à leurs traits. Et les nommer, les peindre un par un, les transformer en personne, c’est les tirer _ en leur irréductible singularité ! de sujet ! et pour jamais !!! cf, déjà, les (sublimes) visages du Fayoum… ; là-dessus, lire, de l’excellent Jean Christophe Bailly, le très fin et très puissant L’Apostrophe muette _ de la mort« , page 63 ;

sur la « visée du visage« , donc,

lire (et méditer : longtemps !) l’admirable passage qui court de la page 60 à la page 63 :

par exemple,

« L’homme, en tant que personne, ne se remplace pas. Il n’est pas interchangeable, ni renouvelable, il est unique à chaque fois ; et c’est bien là le mystère auquel le peintre doive s’affronter, et qui suffit à occuper _ certes ! _ toutes ses forces«  ;

et « Dénommer, appeler, rappeler les apparences, c’est sauver l’homme de la mort. Dénommer et non pas dénombrer, désigner et non pas mesurer ou quantifier. Dire et peindre, c’est rappeler les êtres à la vie, c’est le contraire de les précipiter dans le nombre » _ soit le contraire du (stalinien) « à la fin, c’est la mort qui gagne !« 

« Représenter un visage humain et lui donner sa valeur unique, est (…) rare et compliqué puisqu’il est là, devant soi, embarrassant, et qu’on ne peut pas ruser _ voilà ! _ avec sa présence » : c’est elle qu’il faut ainsi, et pour jamais, ressentir et donner…

Et lire aussi l’admirable passage intitulé « Les Guichets« , aux pages 198 à 201 du chapitre « La Débâcle«  :

« On ferme l’un après l’autre les guichets qui étaient à l’homme laïque des temps républicains ce qu’étaient les confessionnaux à l’homme pieux des temps religieux. (…) J’imagine l’homme solitaire, la veuve, la petite vieille, l’étudiant célibataire ; ils vont rester des jours sans pouvoir _ de fait, simplement _ adresser la parole à quiconque.

La disparition lente et sournoise des bistrots où l’on allait prendre un petit blanc au zinc, moins pour se désaltérer que pour acheter le droit, moyennant trois sous, d’échanger quelques propos avec des inconnus, semble le point final de cette métamorphose _ régressive : barbare ! _ urbaine.

(…) Nous nous apprêtons à vivre dans un monde _ psychotique _ de solitaires contraints au silence,

qui, n’auront pas, contrairement aux ordres contemplatifs, le consolant espoir d’une vie dans l’autre monde.

Parallèlement à ce retrait de l’art _ mais oui ! _ de la conversation _ ce fut un art français… _ ,

la multiplication du « self-service »

_ , qu’il s’agisse de se restaurer, de faire un plein d’essence, de réserver un billet de train ou de poster un paquet, il n’est plus possible de s’adresser _ si peu que ce soit _ à quelqu’un ayant face humaine… _

est assurément la trouvaille la plus cynique de l’esprit _ dit : auto-proclamé ! _ moderne,

qui réussit à faire passer _ et le tour est joué ! _ pour une libération

ce qui n’est qu’une servitude _ et comment ! _ supplémentaire.

Plus éprouvante encore que cet effacement _ avec la dé-subjectivation qui l’accompagne ; cf Michel Foucault… _ de la personne,

est l’imposition d’une voix sans visage.

Dois-je me faire livrer un bien, louer une voiture, requérir un service,

je serai « mis en relation » avec un inconnu dont je n’ai jamais vu et dont je ne verrai jamais le visage, et qui, à distance, m’adressera les règles nécessaires et m’adjoindra _ et quasi m’enjoindra : on est au bord de l’injonction !.. _, sans trop de politesse, d’y satisfaire sans trop tarder _ sinon, tant pis pour moi !..

Aucun recours bien sûr _ la marge du recours est un critère déterminant du degré de civilisation… _ s’il se produit, par accident, une confusion ou une erreur.

Si nul ne vous voit,

nul non plus n’est jamais vu

et nul par conséquent _ pas vu, pas pris _

n’est jamais responsable _ ne répond jamais,

en effet.

La relation est devenue immatérielle.

Le visage a disparu.

Vous êtes décidément seul et sans secours.

Maladie mortelle de la société,

la prosopagnosie généralisée _ voilà ! _

d’un monde où les visages pullulent,

mais où nul n’est plus jamais connu, ni reconnu.

(…)

Dans le même temps pourtant,

comme il semble que nous sommes passés insensiblement du visuel à l’abstrait,

pour satisfaire au besoin de la mise en chiffres,

jamais les visages n’auront été aussi continûment photographiés, identifiés, enregistrés et mis en fiche,

de l’aéroport au magasin de mode.

(…)

A peine aurai-je acheté quelques brimborions dans une entreprise de ci ou de ça

que je me verrai envahi d’un courrier promotionnel à mon nom commençant par « Cher client » ou pourquoi pas « Cher ami »,

et que ma boîte électronique débordera de « spams » à mon intention toute « personnelle ».

Anonyme, invisible, inexistant là où je réclame une parole, une aide, un mot,

 je suis enregistré, diffusé, sollicité, sommé et menacé partout où je ne demande rien« ,

lit-on en ces magnifiques lucidissimes « Guichets« , aux pages 198 à 201…

Et voici _ pages 100-101 _

ce qu’apporte

(ou pourrait apporter : à l’écrivant Jean Clair, ici),

et tant bien que mal _ infiniment modestement, en effet ! _,

l’écriture

(en l’occurrence de ce qui peut-être deviendra le livre, soit ce Dialogue avec les morts-ci…) :

« J’écris pour (…) me prouver que j’existe.

Écrire me rassure,

plus qu’une parole ou une rencontre, toujours trop incertaines.

Quand je doute,

de moi, des autres, de la réalité des choses,

je me mets à écrire,

et le maléfice se défait,

le lien _ qui nouait et entravait (tout)… _ se dénoue : je peux vivre à nouveau.

Dans le désarroi du matin,

la langue apporte sa certitude«  _ elle tient !

(…)

Écrire « est le dernier artifice avec lequel se protéger de la tyrannie de la durée que la mécanique puis l’électronique ont numérisée _ à entier rebours de la durée (qualitative !) vivante qu’analysait Bergson _,

dénombrée


_ cf aussi, page 111 : « la dénumération détruit à mesure la réalité sensible que la dénomination avait si patiemment créée. Les nombres détruisent les images _ mentales et spiritualisées , quand les images sont des œuvres !

On croit, par la mesure, comprendre le monde. Vanité des sociologues, de leurs chiffres, de leurs courbes et de leurs statistiques.

Vanité pire encore des psychologues, de leurs graphiques, de leurs pourcentages.

Les chiffres livrent peu _ et c’est un euphémisme ! _ de la réalité singulière des choses _ elles la nient !..

L’étape ultime est la digitalisation,

qui vide peu à peu les rayons des magasins de leurs disques, et les rayons des bibliothèques de leurs livres.

Triomphe d’un monde virtuel où nous appelons des spectres au secours de notre mémoire défaillante.

La philosophie du rationalisme _ en son appendice du pragmatisme utilitariste _ a pour fin, ici comme dans le domaine de l’art et de son marché, d’éliminer le problème des valeurs _ par un coup de baguette magique ! mais ultra-efficace !!! par ses effets dé-civilisationnels sur la foule de plus en plus majoritaire d’esprits bel et bien dé-subjectivisés : l’ignorance et la désinformation coûtent tellement moins cher que l’instruction et le travail de culture… _ pour se limiter au domaine du quantifiable et du mesurable » _ et monnayable… _,

jusqu’à la rendre _ cette « tyrannie de la durée numérisée«  _ insupportable _ et vainement fuie dans la vanité (symétrique !) du vide de l’entertainment aujourd’hui mondialisé : ah les profits expansifs de l’industrie du divertissement (efficacité de l’amplitude de la crétinisation aidant !)… _ comme la goutte d’eau du supplice chinois« …

(…)

« Au contraire de la langue de bois, si bien nommée,

qui flotte à la surface des eaux, qui monte et qui descend mais qui n’avance pas,

les mots que l’on ose et que l’on dépose _ dans le silence pacifié du recueillement _ sur la page

sont des mots singuliers _ voilà ! on y arrive peu à peu… _,

jetés par milliers

_ un trésor infini (« trésor des mots« , dit à plusieurs reprises Jean Clair, par exemple page 112) que celui de la générativité de la parole en le discours qu’offre au parlant la langue reçue, partagée et ré-utilisée, avec du jeu… cf Chomsky… ;

quand il ne s’agit pas de la misérable « langue de bois«  de la plupart des médias (tant la plupart y sont tellement complaisants !), en effet… ; et des « clichés«  que celle-ci répand et multiplie de par le monde… _

comme les laisses du langage sur l’estran du temps,

qui vous pousse et qui vous soutient » _ les deux : à la fois…

« Quand tout a disparu, quand tout est menacé,

il n’y a que les mots que l’on voudrait sauver encore,

l’un après l’autre _ et en leur singularité, en effet ! _,

mesurant _ certes ! _ le dérisoire aspect de l’entreprise,

et cependant convaincu _ qu’on est : aussi ! et plus encore ! _ que

le fil des mots _ voilà : en sa dynamique et son ordre… ; et à rebours des clichés ! _,

si on réussit à le conserver _ il y faut du souffle, et un peu de constance : cela s’apprend, avec le temps, et un peu de vaillance et de courage ! en le travail de subjectivation de soi (et du soi)… _,

suffirait _ et, de fait, il suffit ! _ à tirer du néant _ = ramener et retrouver _

tout ce qui s’y est englouti

_ et en sauver ainsi peut-être, si peu que ce soit, quelque chose,

même si c’est (passablement) encore ridiculement :

en osant espérer que cela ne soit, tout de même, pas trop

ridicule :

« Honneur des hommes, saint langage !« , a proposé le cher Paul Valéry…

J’en viens alors à l’apport plénier, à mes yeux, tout au moins, de ce très grand livre :

comment on apprend _ tel Jean Clair ; ainsi qu’un nouveau Montaigne en ses propres « essais« _ à se former

_ ce que Michel Foucault appelle le processus de subjectivation _,

se donner un peu plus de consistance,

selon une exigence de « forme« , en effet,

de vérité et beauté,

tournant, in fine, plus ou moins à un style un peu singulier,

mais « vraiment« ,

sans pose, posture,

ni, a fortiori, imposture…

En toute vraie modestie…

Déjà, dans la Mayenne de l’enfance de Jean Clair, dans la décennie des années quarante,

« il n’était pas rare, dans cette campagne, qu’on gardât dans la maison une pièce plus belle, plus claire, plus apprêtée que les autres, fournie de quelques meubles et de bibelots gagnés dans les foires et que l’on croyait précieux. Elle était aussi balayée, dépoussiérée, cirée, mais elle demeurait fermée à clef et les rideaux tirés. (…) C’était plutôt une chambre idéale _ voilà ! _, la projection imaginaire, « comme à la ville », d’un lieu où l’on remisait ce qui était jugé « beau » _ voici une première approche de l’« idée«  _, et d’une beauté qui interdisait donc qu’on en fît usage _ ni encore moins commerce, échange.

Même ici, je le découvrais, la vie se déroulait selon deux plans bien distincts : le temps long et éreintant des journées ; et puis un autre temps, à la fin du jour, où l’on imaginait ce que pouvait être une existence autre _ et supérieure _, à laquelle on avait sacrifié _ noblement _ un espace et laissé quelques gages matériels, comme des offrandes à un dieu lare« , page 27…

« Cette permanence d’un monde invisible qui doublait le monde réel était sans doute nécessaire pour supporter la dureté du quotidien. Elle offrait l’attrait d’un au-delà plus sensible et plus simple à imaginer que celui dont parlaient les mystères de la messe dominicale.

Cette chambre vide était en fait un tombeau (…) qui permettait de rêver _ déjà _ à une vie supérieure«  _ voilà ! une vie plus et mieux accomplie ! _, page 28…

En venant de ce monde de « taciturnes » (page 240) « taiseux« , sinon de « rustres » (page 252),

« un doute m’en est resté pourtant.

A l’Université, on me demanda un jour comment quelqu’un comme moi, à peine sorti des champs, avait eu l’envie de consacrer sa vie à un domaine aussi futile et féminin que le goût de la beauté et l’inclination pour les arts.

(…) Il m’en est resté un malaise. Le sentiment ne m’a jamais tout à fait quitté d’avoir _ étant à jamais, en quelque sorte, un « déplacé«  _ trahi, abandonné un front _ celui du plus dur labeur _, gagné _ lâchement _ le confort _ paresseux _ des arrières.

Plus encore quand le soupçon m’a pris, confronté à des œuvres en effet trop souvent inutiles et fort laides, que j’avais lâché la clarté d’un Désert habité par des sages pour gagner paresseusement l’ombre des musées peuplés de gens frivoles et de dandys.

J’ai toujours eu une double identité.

Je demeure un assimilé _ voilà : imparfaitement… _,

parlant un langage emprunté _ voire chapardé _,

traître à ma foi _ avec quelque culpabilité… _

comme un marrane au judaïsme« , pages 45-46 :

à relier à la remarque des pages 242-243 à propos de la psychanalyste qui fut à Jean Clair comme « ma seconde mère » (page 240),

en lui ouvrant le « trésor des mots _ voilà ! _,

un coffre des Mille et Une Nuits,

un Wortschatz possédant la magique propriété de s’agrandir _ oui ! _ à mesure qu’on puisait en lui, et de rendre au centuple _ voilà ! _ l’emprunt qu’on lui faisait » (page 241)

_ « Finalement je me retrouvais _ en cette psychanalyse _ jubilant _ rien moins ! _,

au sortir de l’adolescence comme au sortir de mon mutisme,

prêt à franchir le seuil de ce qui me semblait l’antichambre d’un Paradis« , lit-on aussi, page 238 ; et ce fut bien, en effet, cela qui advint !!! _ :

« Cette femme qui écoutait l’adolescent que j’étais

avec tant de patience et tant d’attention,

venait elle aussi du Peuple élu.

Elle m’avait proposé cette analyse sans rien me demander,

là où l’argent, la « passe », le billet furtivement glissé comme honteux dans la main du praticien deviendraient monnaie courante chez la plupart de ses confrères« …

Fin de l’incise sur ce sentiment de « déplacé »

_ et d’à jamais « en colère« … : « la colère, je crois bien, ne me quittera jamais« , page 240 aussi _

de Jean Clair…

Autre élément éminemment déclencheur de la vocation

au goût de la beauté (et de l’Art)

de Jean Clair,

cette toute première « rencontre » avec la peinture,

à l’école primaire, au final de la décennie _ pauvre ! _ des années 40,

par la grâce d’un instituteur de campagne

de la Mayenne profonde…

A l’école, dans la salle de classe,

première rencontre, donc,

avec « deux peintures dont je me souviens » :

« une nature morte de Braque » et « un paysage de Matisse » :

« Cette Annonciation de la Beauté, comme un ange en Visitation, si inattendue dans la grisaille et la pauvreté d’une classe de l’après-guerre,

cette lumière plus vive qui soudain traversait la salle,

furent une énigme qu’il me faudrait saisir« , page 54…

« Que peut donner la peinture

que le reste du visible ne vous offre pas,

et dont cette expérience enfantine me proposait l’énigme ?« , re-pense ainsi, rétrospectivement, Jean Clair, page 55…

Et puis,

force est aussi de constater que « ce _ tout premier _ don avait, à mes yeux, faibli _ ensuite _ avec le temps« …

« La question ne s’était pas posée aussi longtemps que la peinture avait eu pour mission _ lumineuse ! _ de célébrer _ voilà ! _ la gloire de Dieu et d’en donner l’idée. Elle participait de sa lumière et elle avait par ailleurs la capacité  de nous en faire un peu comprendre les mystères.

Mais, une fois rendue à elle-même, la peinture « libérée » des modernes, (…) coupée du ciel, rendue à l’ici-bas, la peinture finissait par paraître bien pauvre. Plus pauvre encore quand, se détournant de son devoir de représenter le visible pour annoncer l’invisible, elle prétendait à elle seule se représenter, s’auto-représenter, représenter non pas les apparences de telle ou telle chose, mais représenter la façon même dont elle les peindrait s’il lui prenait par hasard la fantaisie de les peindre, cette peinture finissait par cabrioler dans le vide _ voilà ! _ et quêter les applaudissements d’un public _ bien trop _ complaisant.
Ces tours de force forains
_ de bateleurs imposteurs _ m’apparurent finalement dérisoires, répétitifs, lassants et arrogants à la fois« , pages 55-56…

« Le malheur de l’art contemporain _ ensuite ! _, c’est de défendre des théories sur les pouvoirs de l’homme tout en les privant de leur theos, et par conséquent en les rendant impuissantes _ un défaut rédhibitoire ! pour un faire…  _ à illustrer, comme autrefois aux yeux des Anciens la sidération _ voilà ! cf le concept d’« acte esthétique«  selon la merveilleuse Baldine Saint-Girons, in L’Acte esthétique ! un must ! je ne le dirai jamais assez ! _ des formes et des couleurs, ou l’acte de contemplation _ même remarque ! _, ce qui glorifiait Dieu, comme premier et seul Créateur, et la beauté de l’univers qu’il avait créé à leurs yeux, entre six soirs et six matins« , pages 56-57…

Cependant, déjà,

« la petite chambre fermée à clef, à la ferme, qui ne servait à rien,

était un exemple _ un modèle : une première intuition… _

de ce discret appel vers le haut _ voilà _

qui permettait d’échapper à l’ennui répété des jours et de rêver à des vies _ supérieures : plus et mieux accomplies ! _ dont on imaginait mal _ au départ _ les aspects _ précis et détaillés _ et la félicité _ qui serait très effectivement ressentie : une aisthesis

Cela valait l’offrande,

et donnait _ déjà ! _ aux gestes les plus simples et les plus communs

une apparence de nécessité et une obligation de perfection » _ voilà ! voilà ! avec une extrême et permanente (voire perpétuelle) rigueur !, en ce qui se découvrira, plus tard, du travail de l’œuvre de l’artiste « vrai«  ! Jean Clair le découvrira ! Page 58.

Plus généralement,

« C’est du temple _ en effet ; au sens étymologique : un espace élu… _ que le monde se contemple.

Les dieux ne sont pas seulement les protecteurs des frontières, ils sont aussi les gardiens de la forme.

Ils sont là pour protéger du chaos, du monstrueux, et de l’illimité _ tel Apollon terrassant Python sur le territoire de Delphes.

Pareille croyance devient peu à peu incompréhensible en un monde qui se veut sans frontière et sans limite,

comme il est sans norme _ hélas _ dans la construction des formes _ du n’importe comment capricieux _ qu’il propose à notre appréciation.

Celles-ci sont proprement _ en effet ! _ devenues inhumaines si l’on rappelle que l’humus est et la terre nourricière et le mot fondateur _ oui ! _ de notre humanité _ un oubli payé au prix le plus fort !

Ce culte originaire, lié au sacré,

Cicéron l’appelait cultura animi, la culture de l’âme.

Cette belle expression s’est atrophiée sous le raccourci de « culture » _ cf aussi de Jean Clair, L’Hiver de la culture ; ainsi que mon article du 12 mars 2011 : OPA et titrisation réussies sur “l’art contemporain” : le constat d’un homme de goût et parfait connaisseur, Jean Clair, en “L’Hiver de la culture”

Mais cultura animi se retrouve encore chez saint Ambroise…

La suite n’est guère qu’une lente décadence _ certes _ du sens original si riche, profane ou sacré, de « culture ».

Nous n’habitons plus guère _ que dirait Hölderlin ?.. _ le monde _ émondé ! au profit de l’immonde ! _ ;

et les paysans qui le cultivaient

ont à peu près tous disparu _ aujourd’hui : survit une minorité de producteurs de produits agricoles.

La culture de l’âme elle aussi a disparu, du coup.

Dans son Docteur Faustus, Thomas Mann fait dire à Méphisto que « depuis que la culture s’est détachée du culte pour se faire culte elle-même, elle n’est plus qu’un déchet. »

La culture au sens où nous l’entendons aujourd’hui, n’est qu’un culte _ minimaliste _ rendu à l’homme par l’homme seul, une fois que les dieux se sont éloignés. C’est une idolâtrie _ voilà _ de l’homme par lui-même, une anthropolâtrie.

Méphisto, dans le récit de Thomas Mann, en tire la conséquence, avec un sourire ironique : la culture dont vous vous glorifiez est moins qu’un résidu, une ordure, l’émission à jets continus d’un « moi » malodorant ».

(…) La culture laïque, et ses produits, livres, œuvres d’art, musique profane, tout occupée de ne célébrer que l’individu, est allée au désert« , pages 66-67…

« Il n’y a _ a contrario de ces pentes nihilistes _ qu’un dialogue qui vaille _ vraiment : il est sans prix ! _, (…) c’est celui qu’on engage avec les voix des morts.

Ce dialogue ne prétend pas abolir l’espace mais plonge _ avec fécondité : il l’embrasse vraiment… _ dans le temps, discret et silencieux,

et ne réclame de l’interlocuteur qu’un peu de connaissance et de bienveillance.

Chaque fois que j’ouvre un livre _ « vrai« , du moins ; œuvre d’un « vrai«  auteur, qui le signe « vraiment«  !.. _,

se renouvelle un petit miracle _ mais oui ! _ qui me fait entendre, inaudibles à l’enregistreur électronique mais perceptibles à mes propres sens _ voilà : en un « acte esthétique«  _, les voix singulières, jamais confondues _ quand ces voix accèdent à un vrai style, qui soit « vraiment«  (tout naturellement) le leur : pas par artifice de « décalage«  calculé ! _, d’écrivains que je n’ai jamais vus et que je n’ai jamais entendus, parmi tant d’autres perdus dans les siècles.

Ils sont loin,

et pourtant dans les modulations et le rythme de leur style respectif _ et effectivement singulier, sans artifice ! _,

je les distingue _ oui ! _,

je comprends d’emblée _ oui ! _ ce qu’ils veulent dire,

je mesure à chaque ligne le pouvoir indéfiniment renouvelable _ de l’écriture « vraie«  de l’auteur _ et transmis par le simple geste de la main qui sort le livre des rayons _ suivi de l’acte (attentif) de ma lecture… _ qui, sans artifice et sans contrainte, me fait goûter leur présence _ voilà _ et partager leur génie«  _ à l’œuvre, se déployant dans les phrases, irradiant dans les lignes, dans le tracé qui est demeuré, et que je puis toujours contempler… _, pages 70-71…

« La beauté, autrefois, c’était la politesse de la forme« , dit ainsi Jean Clair, page 90, à propos de la statuaire _ dont celles d’Aristide Maillol (1861-1944), Arturo Martini (1889-1947), Raymond Mason (1922-2010) _ quand elle sait se tenir…

Et sur la forme,

cette « belle réflexion de Paul Valéry dans Tel Quel :

« La forme est essentiellement liée à la répétition. L’idole du nouveau est donc contraire au souci de la forme« .

Le drame de la modernité, dans sa composante hystérique, est là résumé.

La forme, en musique, du grégorien à Bach, est répétition ; comme en peinture la forme en écho, des figures des vases grecs à celles de Poussin.

Vouloir innover, ce n’est jamais que casser la forme, faire voler en éclats la plénitude de l’objet sonore ou plastique, qui relève en effet de la répétition, comme d’une loi de la biologie qui répète les formes« , pages 101-102…

Une autre initiation et impulsion à l’Art

(et au goût de la beauté),

fut l’exemple de la psychanalyste des quinze ans

de celui qui n’était pas encore Jean Clair,

à propos de ce qui allait _ « vraiment«  _ devenir son goût de l’Art…

D’abord à propos de la personnalité de cette psychanalyste elle-même :

« Je devais aussi remarquer assez vite que,

parallèlement à la collecte et à la pesée des mots,

il y avait chez elle le goût de la collection et l’amour de l’art _ voilà !

C’était la première fois que je voyais accrochés aux murs d’une maison,

outre la petite gravure de Rembrandt

_ « Au-dessus du divan où j’étais allongé, il y avait, je me souviens _ a-t-il déjà noté, page 239 _, Les Trois Arbres. Je fixais sur eux mon regard. Ils me semblaient d’une infinie solitude. Ce n’était pas les Trois Croix et moins encore la sainte Trinité, c’était les spécimens végétaux d’une triade naturaliste, pleins d’une vie que je devinais riche, emplie d’ombres et d’odeurs, mais qui n’avait pas encore éclaté au milieu de la plaine immense et déserte des polders »  _,

des tableaux de peintres dont je connaissais un peu les noms.

Je me souviens d’un Marquet, d’un Kisling.

Les liens secrets qui unissent l’art et l’or,

je passerais bien plus tard ma vie à en deviner les ressorts,

à en analyser la puissance ou la perversion,

sans doute pour donner quelque raison et quelque apparence de sérieux à une activité, la critique d’art, jugée si étrange _ par d’autres _ quand elle se manifeste chez quelqu’un qui vient d’ailleurs.

Ils avaient pris _ ces liens-là… _ leur forme parfaite

chez ceux sur qui pesait encore l’ancien interdit de la figuration :

la collection de beaux objets,

comme la pratique quotidienne de la lecture

et l’usage des langues

demeuraient essentiels

pour mieux se fondre

et se fonder

là où ils s’établiraient.

Éloigné de mes origines
_ campagnardes _,

j’ai pu me sentir proche _ en effet _ de ceux-là

dont la patrie,

située en nul lieu de l’étendue

mais au cœur même du temps,

se recrée,

non pas dans un terreau appelé « nation »,

mais partout où sont,

mêlés au texte saint,

les livres et les tableaux« , page 243…

Et ceci, encore, sur la psychanalyse même, cette fois,

à la page 244 :


« L’effacement lent de la psychanalyse

et les attaques forcenées dont elle fait aujourd’hui l’objet

ont accompagné ce que, faute de mieux, je ne peux appeler que la débâcle de l’intelligence  _ voilà !


La petite voix sourde,

si vulnérable et si précieuse

de l’analyse,

nul ne peut plus l’entendre aujourd’hui.

Et ce qu’elle dit,

nul ne veut plus l’écouter.

Elle était la dernière sagesse d’un monde

après qu’il a repoussé Dieu,

ou du moins avait-elle été sa dernière discipline.

Thomas Mann l’avait très tôt écrit, je crois, dans sa conférence de 1938.

Bien plus que l’existentialisme de Sartre,

la psychanalyse de Freud avait été un humanisme.

Le dernier sans doute.

Refusée, oubliée, moquée,

elle laisse aux fanatismes du jour,

et d’abord aux fondamentalismes religieux ou idéologiques, nourris de la bêtise du temps,

tout le loisir de reprendre la main

et de faire entendre à nouveau leurs vociférations« , page 244…

Par là,

« la société moderne ne peut fonctionner qu’à l’amnésie« , page 245 :

ce que ne peut certes pas faire un artiste tant soit peu « vrai » ;

tels

un Monet,

un Bonnard,

un Balthus

ou un Lucian Freud (cf pages 62-63) ;

ou, encore, un Avigdor Arikha (cf pages 59 à 61) ;

et un Zoran Music (cf pages 129 à 133), aussi…

Dernier élément que j’aimerais relever :

le rapport (complexe, enchevêtré…) entre création et filiation ;

et la question adjacente du pseudonyme et de la signature…

J’ai déjà relevé, page 265, cette remarque

que

« l’écriture est un refuge et un foyer :

ce qu’elle désigne, c’est précisément

l’impossibilité d’en appeler au Père« …


Jean Clair va creuser plus avant et profond ce point-là…

D’abord, aux pages 268-269 :

« Le désir du retour dans la patrie

n’est pas que la nostalgie du retour à une matrice originelle,

c’est la nostalgie du Vaterland,

autant que celle de la Heimat.

Malade, on est rapatrié,

on n’est pas ramatrié.

On y regagne son feu et son lieu. Hic est locus patriæ.

Pervers, celui qui ne retrouve pas sa voix dans le père,

celui qui se croit,

dans l’excès de ses actes et de ses manifestations,

sans égal et sans pair.« 

Mais : « Rechercher la terre du père, c’est trouver la mort : « Quid patriam quaerit, mortem invenit. »

Était-ce si sûr ? » _ les questions vont bon train…

Jean Clair continue donc de creuser…

Et il en arrive à ceci, vers la conclusion de ce livre,

aux pages 276-277, d’un livre qui en compte 280 :

« Prendre à quinze ans un pseudonyme et rejeter le patronyme _ voilà… _,

ce n’était pas seulement, comme on l’a dit, vouloir attenter à la vie du père.

C’était affirmer l’inutilité de signer une œuvre.

C’était du moins rappeler la vanité de vouloir attacher son nom à ce que l’on fait.

Ce que l’on fait, n’importe qui en ce bas monde, le pourrait faire«  _ pense-t-on alors, à quinze ans…

« Non que les êtres soient interchangeables,

mais que chacun vient en son temps, appelé par la nécessité du moment _ de l’époque, en quelque sorte _,

et non pas mû par la vocation d’un génie _ jugé probablement alors comme une illusion romantique…

Pourquoi donc vouloir « illustrer » son nom _ son patronyme : le nom, aussi, donc, de son père… _ lorsque la création est d’essence anonyme ?

Rien dans ce que faisais _ alors, vers 1955 et après… _, ne justifiait mon patronyme.

Aucune origine _ ni filiation, donc _ n’expliquait mon besoin de tracer des lignes jusqu’à les ratifier _ voilà : par une due signature ! _ d’un nom,

à la façon dont la noblesse justifie ses titres de propriété en exhibant ses armoiries… »

« Qui exactement fait ceci ou cela

dans cette chaîne ininterrompue d’échanges, d’emprunts, de citations, de calques, de moules et de copies _ ouf ! _

dont une œuvre se constitue ?

L’originalité d’une œuvre est sans origine.

L’homme passait _ tout simplement, en un pur et simple relais _ la main.

Et c’était là son pouvoir,

que la femme n’avait pas _ nous étions là dans les années cinquante...

Et c’était ainsi _ et pas autrement ! _,

cette _ pseudo _ nuée ardente de la création :

le nom n’était que la diffusion dans la nuit d’une lumière dont la source serait à jamais inconnue« , page 276…

« Un pseudonyme imposait en revanche ses obligations,

comme si le nom _ que l’on s’attribuait, ex nihilo _ portait avec lui des responsabilités égales à celles qu’on s’engage à assumer envers un enfant qu’on adopterait.

J’avais pu croire le mien _ « Jean Clair« , donc… _ le plus innocent.

Sa sonorité lunaire et transparente, son côté un peu niais,

auraient dû m’assurer l’impunité de l’anonymat.

Mais non : je ne commençai d’écrire que lorsque ce nom prit consistance et force,

prit son vrai sens à vrai dire,

qui est d’avoir le tranchant et la transparence du matériau dont il est fait.

On ne troque les responsabilités héritées de la filiation

que pour mieux assumer les devoirs entraînés par une paternité d’adoption« , page 277… 

Pour conclure, toujours page 277,

et à propos de l’étymologie :

« A défaut d’un lignage, d’un historial, d’une chronique ou d’un récit familial,

je veux,

fils de paysans sans nom et sans renommée,

dans le développement d’une langue aussi commune que celle de la gens d’où je viens,

trouver dans l’origine de ses mots _ de cette langue partagée _,

les traces d’une histoire et d’un

lieu,

les racines mêmes des raisons _ voilà _

pour lesquelles je vis ici et aujourd’hui« …

Et pour en revenir, enfin, au « goût des formes » de Jean Clair

et conclure là-dessus,

encore ce passage-ci, page 253, à propos de son père :

« Cet homme, mon père, d’une grande pudeur et d’une bonté désarmée

_ mais un paysan a-t-il le droit de se montrer tendre ? _,

je l’avais méprisé.

Que les fils tuent les pères

et qu’ils quittent les mères,

oui,

cela se sait, depuis toujours.

Mais au moins, comme on dit, il convient d’y mettre les formes.

Je l’avais fait avec violence _ voilà !

De là peut-être

que,

dans ce qui suivit,

je fus attentif

à reconnaître et à aimer,

sinon à respecter _ on notera la nuance _ les formes.

Bien sûr, ma plus grande peine

est _ et demeurera _ de penser

que mon père est mort avec l’impression

que le fils dont il était si fier,

et pour lequel il avait travaillé bien au-delà de son temps,

était en réalité quelqu’un

qui ne valait rien de bon« …

Voilà,

avec ce beau et grand Dialogue avec les morts,

l’hommage

_ et la réparation ! _

du(s),

par un homme (et auteur) de très grande probité,

à ce père

« d’une bonté désarmée« …


Titus Curiosus, le 27 mars 2011

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