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Savoir interpréter les Lieder et Mélodies de Liszt : André Schuen, baryton, après Cyrille Dubois, ténor

17déc

Le mardi 5 novembre dernier

en mon article Le talent du ténor Cyrille Dubois dans les Lieder de Franz Liszt : « O Lieb » ;

puis le lundi 25 novembre suivant,

en mon article Cyrille Dubois, et le très notable renouveau des ténors français : poursuite d’une très précieuse tradition et riches singularités…,

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j’ai souligné la délicieuse performance du jeune ténor français Cyrille Dubois _ né en 1985, il a 34 ans _

dans un magnifique récital O lieb ! _ soit le CD Aparté AP200 _, accompagné par l’excellent pianiste Tristan Raës.

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Et voici que nous est proposé un nouveau très remarquable CD de Lieder et Mélodies de Liszt,

intitulé Franz Liszt Petrarca Sonnets 47 – 104 – 123 _ le CD Avi-music 8553472 _

par le non moins jeune baryton allemand André Schuen _ né en 1984, il a 35 ans _,

accompagné par le non moins remarquable pianiste Daniel Heide.

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Ces deux CDs ont en commun

les Tre Sonetti di Petraca

ainsi que la mélodie française, sur des vers de Victor Hugo, Oh ! Quand je dors.

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A cette nuance près qu’André Schuen interprète les deux versions, de 1842-46 et de 1864-82,

de ces Tre Sonetti di Petrarca pour voix et piano

_ Daniel Heide interprétant la version pour piano seul de ces Tre Sonetti di Petrarca, extraites de la Deuxième année : Italie, des Années de pèlerinage, de Liszt ; cf mon article du 27 juin dernier à propos de l’interprétation par Francesco Piemontesi (CD Orfeo C 982 191) de ces mêmes Tre Sonetti di Petrarca pour piano seul : L’admirable spiritualité lisztienne de Francesco Piemontesi… _,

alors que Cyrille Dubois en interprète seulement la première version (de 1846).

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Quant à la mélodie Oh ! Quand je dors,

André Schuen en interprète la version de 1842 revisitée en 1859,

alors que Cyrille Dubois en interprète la seconde version, de 1859.

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Et voici ce qu’a dit du CD d’André Schuen et Daniel Heide

Maciej Chiżyński en un article sur le site de Res Musica du 14 décembre dernier,

intitulé Tre sonetti del Petrarca de Franz Liszt dans trois versions du compositeur :

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Tre sonetti del Petrarca de Franz Liszt dans trois versions du compositeur

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Le 14 décembre 2019 par Maciej Chiżyński

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Andrè Schuen et Daniel Heide proposent un programme composé presque exclusivement des différentes versions des Sonetti del Petrarca de Franz Liszt.

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Franz Liszt a laissé plusieurs versions _ en effet _ de certaines œuvres sans leur attribuer de numéro d’opus. Il est allé, comme aucun autre compositeur, jusqu’à utiliser un texte pour des partitions diverses, même trois fois ou plus. Pour les Sonetti del Petrarca, il en existe trois versions. D’abord, ce sont deux variantes pour voix et piano, marquées – dans le catalogue de ses œuvres – S. 270a (élaborée dans les années 1842-1846) et S. 270b (de 1864-1882). Ensuite, nous avons également la fameuse variante pour piano seul, façonnée entre 1846 et 1849, faisant partie de l’Année II, Italie, des Années de pèlerinage. Pour les deux cycles vocaux, la division en « a » et « b » ne rend pas pleinement justice à leur qualité artistique, car des modifications majeures entre eux sont perceptibles _ c’est bien intéressant ! _, de sorte qu’on peut par moments parler d’une réécriture.

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Sur le plan de l’interprétation, le baryton Andrè Schuen combine aisément la douceur et l’intensité _ voilà ! Il charme par sa diction, impeccable _ oui _, ainsi que par la modération du vibrato. Sa voix crémeuse _ oui _ nous dévoile autant de chaleur que d’intimité et de poésie _ voilà. Dénuée d’exaltation excessive _ oui _ (le piège le plus commun dans l’exécution des œuvres de Liszt), elle saisit, en plus, par la puissance, la souplesse, l’éloquence et la majesté _ tout cela est fort juste. Si on compare cette lecture _ nous y voici ! _ avec celle donnée récemment par le ténor Cyrille Dubois – frémissante de délicatesse _ oui _, mais aussi trop théâtrale _ au jugement de Maciej Chiżyński _ –, on constate que ce répertoire est mieux adapté pour la voix de baryton _ peut-être. Andrè Schuen hypnotise _ oui ! _ par le sens du legato _ oui _, la respiration naturelle _ oui _ comme par la rondeur du timbre _ on peut qu’asciecer à tout cela _ dans tous les registres, entièrement immergé _ oui _ dans cette musique tantôt dramatique, tantôt méditative, qui paraît mieux convenir à sa tessiture _ probablement.

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On salue également _ au sens propre du mot _ Daniel Heide au piano, apte à s’adapter aux phrasés du baryton, aussi bien pour les tempi que pour l’expressivité. C’est ainsi que les deux interprètes nous transmettent l’essence de la pensée lisztienne _ probablement _, baignée de lumière et embaumée par les émanations les plus suaves. Pour ce qui est des Tre sonetti del Petrarca pour piano seul, ponctuant les deux versions pour voix et piano, Heide captive par un jeu relativement sévère et droit _ non fleuri _, en harmonie avec l’esprit de ces pages emplies de force évocatrice élevée _ spirituellement. Cette force se cache particulièrement dans les pauses, la profondeur du souffle, tout autant que dans la beauté lyrique des atmosphères que le pianiste sait mettre en valeur avec justesse et ingénuité. Le complément du programme, Oh ! Quand je dors S. 282 sur un poème de Victor Hugo, aiguise notre appétit pour les prochaines réalisations scéniques et discographiques de ce magnifique duo. Une prestation passionnée et passionnante _ oui : en une rectitude dépourvue d’hystérie.

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Franz Liszt (1811-1886) :

Tre sonetti del Petrarca pour voix et piano S. 270a et S. 270b ;

Tre sonetti del Petrarca pour piano seul S. 161 n° 4-6, extraits de l’Année II, Italie, des Années de pèlerinage ;

Oh ! Quand je dors S. 282 sur un poème de Victor Hugo.

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Andrè Schuen, baryton ;

Daniel Heide, piano Steinway D.

1 CD CAvi-music.

Enregistré en novembre 2018 à la Markus-Sittikus-Saal à Hohenems en Autriche.

Textes de présentation en anglais et allemand _ seulement.

Durée : 65:09

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Une confrontation d’interprétations passionnante,

pour deux très remarquables CDs.

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Ce mardi 17 décembre 2019, Titus Curiosus – Francis Lippa

In memoriam Paul Badura-Skoda (suite)

27sept

Ce vendredi 27 septembre 2019,

Res Musica, sous la plume de Maciej Chiżyński,

propose une présentation un peu fouillée

de l’artiste rare qu’a été Paul Badura-Skoda,

qui vient de nous quitter :

Paul Badura-Skoda, l’un des premiers virtuoses du piano-forte au XXᵉ siècle

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Paul Badura-Skoda, l’un des premiers virtuoses du piano-forte au XXᵉ siècle

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Le 27 septembre 2019 par Maciej Chiżyński

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Paul Badura-Skoda naît en 1927 à Vienne, où il suit sa formation initiale. Ses professeurs les plus éminents sont Viola Thern et Otto Schulhof dans la capitale autrichienne et, plus tard, Edwin Fischer en Suisse. En 1948, il est diplômé du Conservatoire de la ville de Vienne avec les plus hautes distinctions du jury, au piano et à la direction d’orchestre.

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Premiers succès

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Trois événements marquent le début de sa carrière. D’abord, en 1949, Wilhelm Furtwängler puis Herbert von Karajan engagent le jeune Paul Badura-Skoda encore inconnu, en tant que soliste pour leurs concerts à Vienne. Ensuite, en 1950, il remplace ad hoc Edwin Fischer, souffrant, au Festival de Salzbourg, en remportant un succès éclatant. Sa carrière internationale débute par trois grandes tournées de concerts : en Australie en 1952, aux États-Unis et au Canada en 1952-1953, ainsi qu’en Amérique latine, du Mexique au Brésil et en Argentine, en 1953. Peu avant, à partir de 1951, il enregistre des disques pour Westminster Records, à l’époque un label indépendant américain, ayant également ses bureaux en Europe. Comme il l’avouera plus tard dans son avant-propos au coffret Deutsche Grammophon regroupant une belle sélection de son legs pour Westminster Records, paru en 2017 à l’occasion de son 90ᵉ anniversaire _ le coffret de 20 CDs Deutsche Grammophon 479 8065 _, cette étiquette n’a pas tardé à lui accorder un privilège rare dans l’histoire du disque. Il écrit à ce propos : « outre les grandes pages du répertoire qu’on me demandait, je pouvais enregistrer ce que je voulais. Et je ne m’en suis pas privé. Aujourd’hui encore, je m’étonne de la variété de mes programmes : solo, à quatre mains avec mon ami Jörg Demus, musique de chambre, concertos, et un répertoire allant de Bach jusqu’à Hindemith et Darius Milhaud, alors encore bien vivants ». Parmi les chefs d’orchestre sous la baguette desquels Paul Badura-Skoda se produit au disque, n’oublions pas de mentionner les noms d’Hermann Scherchen, Artur Rodziński et de Felix Prohaska. Pour la musique de chambre, il forme un magnifique trio avec le violoniste Jean Fournier (le frère cadet de Pierre Fournier) et le violoncelliste Antonio Janigro. Leurs interprétations, que ce soit de partitions de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven ou encore de Franz Schubert, se parent de raffinement et de fraîcheur qui n’étaient propres qu’à eux : empreints de vigueur, d’une large palette de couleurs et d’éléganceoui. Pour les concertos, prêtons l’oreille à ceux de Chopin (de juin 1954) qui, sous les doigts de Paul Badura-Skoda accompagné de l’Orchestre de l’Opéra d’État de Vienne et d’Artur Rodziński, semblent d’une délicatesse extrême. Ses phrasés chantent, émerveillent par un toucher cristallin et éminemment subtil, et saisissent par leur naturel. Ensuite, pour évoquer des raretés discographiques, nous citerons le Concerto pour piano et orchestre en ut dièse mineur op. 30 de Nikolaï Rimski-Korsakov, donné avec le même chef en avril 1955, mais, cette fois-ci, avec le Royal Philharmonic Orchestra, et dont la lecture scintille de teintes éclatantes, baignée tantôt d’ambiances aériennes et nostalgiques, tantôt de brio. Et comme ses Beethoven dansent ! Écoutez seulement le Concerto pour piano et orchestre n° 2 en si bémol majeur op. 19 gravé en 1953 sous la direction d’Hermann Scherchen et avec l’Orchestre de l’Opéra d’État de Vienne. Une référence.

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En tant que soliste, Paul Badura-Skoda ne manque pas de surprendre (ni d’émouvoir !) lorsqu’il prépare, en 1957, son piano pour enregistrer la Marche turque, le troisième mouvement de la Sonate pour piano n° 11 en la majeur de Mozart, et ce, afin de recréer l’effet de percussion audible au piano-forte historique. Ceci dit, à l’âge de 30 ans déjà, il pense sérieusement à l’interprétation historiquement informée et fait ses premiers pas dans ce domaine.

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De l’amour pour le piano-forte historique

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On connaît bien les affinités de Paul Badura-Skoda avec le piano-forte historique, son instrument de prédilection _ voilà. Il est le seul pianiste à avoir enregistré l’intégrale des sonates de Mozart, Beethoven et Schubert aussi bien sur des pianos modernes que sur ceux d’époque. Sur ces derniers, il nous livre également un florilège de pages de Joseph Haydn, jouées avec intelligence et subtilité. Les nombreux écrits de Badura-Skoda _ oui _ reflètent sa recherche et son obsession de la vérité dans la musique _ en effet. Il a toujours voulu comprendre les intentions du compositeur _ oui, et c’est fondamental _ et corriger les erreurs éventuelles dans les publications musicales. Si ses propres compositions sont élaborées dans un style du XX^e siècle, il s’est particulièrement spécialisé dans l’écriture du XVIII^e et du début du XIX^e siècle, complétant des œuvres inachevées de Mozart et de Schubert, et façonnant des cadences pour des partitions d’auteurs viennois de l’époque classique.

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L’objet de la passion de Paul Badura-Skoda pour les instruments anciens, et celui de la question des éditions musicales, sont abordés dans son livre-essai Être musicien, réunissant un nombre considérable d’articles du pianiste, ses recherches de l’idéal, de même que ses réflexions et analyses sur la sonorité « authentique ». Comme le remarque notre collègue Francesca Guerrasio, « la connaissance du son authentique au point de vue historique, l’envie de saisir le message poétique de tel ou tel compositeur, sont à la base de ses recherches sur les partitions autographes et les éditions originaux. Ce qui l’amène à élaborer le jeu le plus approprié selon les compositions abordées. Sa curiosité pour l’ingénierie se révèle essentielle pour son détour vers les instruments qu’avaient connu Mozart ou Beethoven. Aujourd’hui la collection personnelle de Badura-Skoda figure parmi les plus riches au monde, avec un Kirkman de 1780, un Bösendorfer de 1923 et une copie de l’instrument réalisé en 1781 par Anton Walter pour Mozart ». Une partie de cette collection, et plus précisément cinq instruments viennois, est présentée en photos par Arcana dans le livret joint au coffret renfermant l’intégrale des sonates pour piano de Schubert, abordées – dans les années 1990 – sur les pianos-forte historiques suivants : Donath Schöfftos (c. 1810), Georg Hasska (c. 1815), Conrad Graf 432 (c. 1823), Conrad Graf 1118 (c. 1826) et J.M. Schweighofer (c. 1846). En écoutant ces prestations, nous ne pensons qu’à Schubert, son œuvre et son triste destin, à tel point elles paraissent ancrées dans cette recherche du « vrai » son, et emportées, dans les dernières sonates, par un souffle de morosité, voire de tragique, malgré un timbre relativement chaud et généreux. Une autre référence, et pour toujours ! Une expérience purement spirituelle, rendue plus forte encore en raison d’une intensité hors-pair, mais aussi d’une articulation exemplaire, et ce, sans nous faire oublier cette finesse de toucher rare qu’on admire chez le jeune pianiste. « Des canons sous des fleurs », dirait-on, en empruntant la fameuse déclaration de Robert Schumann au sujet de la musique de Frédéric Chopin.

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Jalons d’une vie et discographie

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En 1956, Paul Badura-Skoda dirige l’ensemble de chambre de l’Orchestre symphonique de Vienne dans une tournée en Italie, suivie de concerts et d’enregistrements pour lesquels il est à la tête de l’Orchestre de chambre de Vienne. D’autres événements marquants de sa carrière artistique sont sa première tournée au Japon, de 1959 à 1960, un pays dans lequel il revient de multiples fois, ainsi que sa première tournée en Union soviétique en 1964. En outre, il est le premier pianiste à se produire en Chine après la fin de la révolution culturelle. Il joue également au Kenya, en Tanzanie, en Afrique du Sud et en Égypte.

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Au cours de l’année du bicentenaire de Ludwig van Beethoven en 1970, il en interprète le cycle complet des 32 sonates dans de nombreux grands centres musicaux du monde (à Paris, Mexico, Chicago etc.), suivis de représentations similaires à Vienne, Berlin et Londres. Durant l’année Mozart en 1991, il donne 140 concerts dans le monde entier, notamment à Vienne, Paris, Madrid et Tokyo, mettant en vedette les compositions du maître de Salzbourg, qu’il joue en public et enregistre encore dans les années 2010.

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À part cela, sa discographie est énorme, ses gravures allant de Johann Sebastian Bach à Frank Martin. Nous y trouverons beaucoup de références, même pour les Chopin dont l’œuvre pose des difficultés musicales très spécifiques, auxquelles les pianistes de tradition germanique ne savent souvent pas faire face d’une manière qui caresserait suffisamment notre oreille. Parmi ces pépites, mentionnons le disque Chopin édité par Music & Arts en 2010 pour le bicentenaire de la naissance du compositeur, comprenant des enregistrements effectués sur des Bösendorfer dans les années 1971-1975. C’est aussi simple et naturel qu’intense. Sans emphase ni maniérisme, et d’une respiration ample, comme dans les Mazurkas op. 63 n° 3 et op. posth. 68 n° 2, tout autant que dans l’Étude en la bémol majeur op. 25 n° 1. Voilà un Chopin rhétorique et profondément poétique, dramatique et d’une grande douceur des phrasés, par exemple dans le troisième mouvement Largo de la Sonate pour piano n° 3 en si mineur op. 58.

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Paul Badura-Skoda réunit, durant sa longue vie, de nombreuses formations chambristes et s’engage dans des projets différents. Il collabore même avec David Oïstrakh, puis Wolfgang Schneiderhan. Avec ce dernier, et en compagnie de Boris Pergamenchtchikov au violoncelle, il grave, dans la première moitié des années 1980, les trios de Schubert, en concert et en studio, récemment parus chez le label autrichien Gramola. Une autre interprétation savoureuse et qui ne laisse pas indifférent. Puis, il y a des Liszt et d’autres, mais impossible de tout évoquer dans ces lignes.

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Ces vingt dernières années, la réflexion musicale de Paul Badura-Skoda semblait s’approfondir encore davantage. Comme le remarque Patrick Georges Montaigu, le style interprétatif du pianiste qui « cherche à articuler chaque mot », est pensé, conçu, se traduisant, par instants, en un jeu un peu mécanique. À notre avis, ce jeu est le résultat d’une étude sans fin, qui a permis à l’artiste de s’exprimer d’une façon moderne (et avec une technique bien trempée !) sur tous les instruments, mais en même temps de garder l’esprit de la musique qu’il abordait.

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Paul Badura-Skoda a reçu de nombreux honneurs et distinctions, parmi lesquels trois doctorats honoris causa dont un à Cracovie en Pologne en 2013. Après son décès, il ne disparaîtra _ certes _ pas de notre mémoire. Bien au contraire : ses gravures n’arrêteront pas de tourner sur nos platines _ assurément.

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Un passionnant portrait !

Et un très juste hommage…

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Cf mon petit article d’hier :

In memoriam Paul Badura-Skoda (6 octobre 1927 – 25 septembre 2019)

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Ce vendredi 27 septembre 2019, Titus Curiosus – Francis Lippa

L’inventivité de Johannes Pramsohler

26juin

Sur le site Res Musica,

une intéressante interview de l’inventif Johannes Pramsohler,

JOHANNES PRAMSOHLER, VIOLONISTE POUR SORTIR DES SENTIERS BATTUS

par Maciej Chiżyński

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Le violoniste Johannes Pramsohler s’est affirmé ces dernières années comme l’un des instrumentistes les plus inspirés, tout autant que les plus inspirants dans le domaine de la musique baroque. Ayant fondé l’Ensemble Diderot et son propre label, Audax Records _ voilà ! _, il a maintenant la liberté dans le choix du répertoire qu’il voudrait aborder et présenter au public.

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« La crise du disque a profondément changé le rapport entre label et artistes. »

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ResMusica : Vous avez étudié auprès de grands maîtres du violon, notamment Reinhard Goebel et Rachel Podger. En quoi leur approche est-elle différente ?

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Johannes Pramsohler : Je ne suis pas vraiment un « élève » de Reinhard Goebel au sens propre, car je n’ai jamais eu de cours de violon avec lui. J’ai eu la chance de travailler avec lui dans plusieurs projets d’orchestre ; et seulement depuis un an, je suis dans sa classe d’« interprétation historiquement informée » au Mozarteum de Salzbourg. Reinhard part toujours de l’analyse de l’œuvre, et il cherche une « vérité » dans la musique avec une grande passion. Il donne la priorité absolue à la fidélité au texte. L’approche de Rachel Podger est plus spontanée et plus libre. J’avais déjà suivi un cursus en violon moderne, mais je n’ai eu l’impression de vraiment comprendre la technique violonistique qu’au cours de mes années d’étude avec elle. Je suis gaucher, et elle m’a guidé avec beaucoup d’intelligence et de sensibilité pour acquérir une solide technique de l’archet. Finalement, les deux se ressemblent dans la technique violonistique avec un bras droit parfaitement maitrisé et le poignet bas et contrôlé.

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RM : Sur quel violon jouez-vous ?

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JP : J’ai la chance de jouer sur le magnifique Pietro Giacomo Rogeri construit à Brescia en 1713, qui appartenait à Reinhard Goebel. C’est un violon avec un spectre harmonique très riche et équilibré qui est mon « partenaire » sur scène depuis maintenant dix ans. Reinhard me dit toujours : « Le violon connaît déjà l’œuvre, maintenant il faut juste que tu le travailles ». (rires) Pour mes projets avec des orchestres modernes, j’ai la chance d’avoir la possibilité de jouer de magnifiques Stradivarius et Guadagnini de la collection de la Royal Academy of Music de Londres.

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RM : Vous avez fondé votre propre label. Pourquoi l‘avez-vous fait ?

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JP : Généralement, les artistes enregistrent des disques pour laisser une trace ou avoir une « carte de visite ». Pour moi, cela se double d’une envie d’enrichir le répertoire.
La crise du disque a profondément changé le rapport entre label et artistes. Les stratégies de long terme avec des engagements sur plusieurs disques ne sont plus possibles ; et de surcroît, l’artiste doit dorénavant apporter une majeure partie du financement au label. Mes choix artistiques sont de plus difficiles à défendre auprès de directeurs de maisons de disques qui recherchent une rentabilité immédiate _ hélas. Avec Audax Records, j’ai une totale liberté, du programme jusqu’à la pochette, et même le marketing. Et le concept à 360° que nous poursuivons avec l’Ensemble Diderot permet de rester très flexible _ c’est bien.

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RM : Quel est l’objectif du label Audax ? Qu’est-ce qui distingue cette étiquette des autres maisons de disques se spécialisant dans le domaine de la musique ancienne et baroque ?

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JP : Audax Records est un label d’artistes. C’est la plateforme d’expression des musiciens de l’Ensemble Diderot _ voilà. Il est géré par nous-mêmes, et chaque projet est construit avec soin et passion. L’objectif principal est d’enrichir le paysage musical avec des enregistrements d’œuvres méconnues voire inédites _ c’est bien ! _ et de proposer des programmes surprenants et toujours aussi un peu « didactiques ». Nous construisons des projets qui sortent des sentiers battus avec une réelle exigence musicale et musicologique, mais nous ne nous adressons pas à une « niche ». Nous nous adressons au public le plus large possible en le guidant vers de nouveaux territoires : la compréhension et l’illustration de l’entourage _ oui _ d’un compositeur connu (comme Bach ou Haendel), une plongée dans la vie musicale d’une ville, d’un pays ou d’une époque, ou encore la connaissance d’un genre musical précis _ soit un élargissement.

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« Je ne cherche jamais activement des œuvres inédites : elles me tombent dans les mains ! »

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RM : Quels critères choisissez-vous en abordant le répertoire méconnu ? Comment vous procurez-vous les partitions ?

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JP : Je m’intéresse beaucoup aux biographies _ oui _ des compositeurs ; et ça m’amène aussi à lire les catalogues des bibliothèques _ c’est bien. J’ai des contacts étroits avec des musicologues du monde entier _ oui _ qui me permettent de trouver des réponses très vite à mes questions. C’est un travail continu qui a pour but de comprendre _ systématiquement, en proifondeur _ un compositeur ou une époque. Je ne cherche jamais activement des œuvres inédites – elles me tombent dans les mains en quelque sorte au cours de mes recherches. Ensuite, une chose mène à la suivante _ voilà ; tout s’enchaîne _ avec toujours de nouvelles idées de programmes.

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RM : Combien de temps à l’avance démarrez-vous la mise en œuvre de vos projets discographiques ? Ces projets ont-ils un dénominateur commun ?

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JP : La plupart des programmes subissent un temps de « maturation » d’environ cinq ans _ wow ! On commence par une idée et on essaie d’intégrer les œuvres dans nos programmes de concert ; et, peu à peu _ voilà _, le projet discographique se construit. On a beaucoup de projets qui ne voient jamais le jour. Le dénominateur commun est de ne jamais cesser d’être curieux _ oui ! _, ainsi qu’avoir une franche passion _ oui ! _ pour la musique.

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RM : Vous trouvez également du temps pour donner des concerts, en solo, et avec l’Ensemble Diderot. Qu’est-ce que vous avec joué récemment ?

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JP : Je viens de faire un programme Mozart avec un orchestre symphonique. Un Academie-Konzert comme le faisait Mozart à Vienne dans les années 1780 en mélangeant un concerto, de la musique de chambre, un air de concert, et le tout encadré par les mouvements d’une symphonie. J’aime travailler avec des orchestres « modernes », je trouve important de rester ouvert et curieux, et ces projets m’enrichissent aussi pour mon travail avec mon propre groupe.

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À la Royal Academy of Music de Londres, j’ai récemment joué l’intégrale des sonates de Bach. Avec l’Ensemble Diderot, nous sommes en pleine tournée pour le lancement de nos deux disques The London Album et The Paris Album avec des sonates en trio du XVII^e siècle français et anglais.

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La tournée de Didon et Énée de Purcell avec une mise en scène de Benoît Benichou se poursuit pour l’Ensemble Diderot qui s’est, pour l’occasion, élargi de son propre chœur. Il sera donné au Festival d’Hardelot, ainsi qu’en tournée sur la saison 2020-2021.

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RM : Pourriez-vous nous annoncer vos prochaines activités musicales, et surtout les parutions discographiques ?

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JP : Notre prochain grand projet avec l’Ensemble Diderot est une production scénique de L’Offrande musicale de Bach. Damien Caille-Perret construit une scénographie sensible avec trois immenses écrans, et Pierre Nouvel va créer des vidéos illustrant l’œuvre d’une nouvelle façon, presque « immersive ». On donnera ce spectacle en tournée en Italie, Autriche et France durant l’automne 2019, de même que cinq représentations à l’Athénée Théâtre Louis-Jouvet à Paris en mai 2020.

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Sinon on se penchera dans les prochaines années encore sur la musique du XVII^e avec le désir d’approfondir davantage notre connaissance des débuts de la sonate. La musique française ne manquera pas avec notamment un nouvel enregistrement des magnifiques sonates en trio de Leclair _ c’est bien ! Nous commençons également un travail important sur la musique berlinoise du milieu du XVIII^eavec plusieurs projets discographiques.

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Crédits photographiques : Portrait 1 © Julien Benhamou ; Portrait 2 © Johannes Pramsohler

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Ce mercredi 26 juin 2019, Titus – Curiosus – Francis Lippa

Le beau travail de Johannes Pramsohler _ et des disques Audax (suite…)

02août

Le 28 avril dernier, sur ce blog,

et à propos du CD Audax German Cantates with Solo Violin (le CD Audax ADX 13715),

je rendai déjà hommage au très beau travail _ de musicien comme d’éditeur _ de Johannes Pramsohler _ et les disques tout à fait passionnants ! de sa marque Audax _ :

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La superbe entreprise du violoniste Johannes Pramsohler et des disques Audax

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Aujourd’hui,

c’est au tour du site Res Musica,

et sous la plume de l’excellent critique _ à l’ouïe très fine _ Maciej Chiżyński,

de rendre à nouveau, trois mois plus tard, également hommage

et à la firme de disques Audax _ que dirige ce remarquable musicien qu’est Johannes Pramsohler _,

et très précisément à ce même CD German Cantates with Solo Violin (le CD Audax ADX 13715),

par son article CANTATES ALLEMANDES D’AVANT BACH PAR JOHANNES PRAMSOHLER.

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Voici d’abord quel était le samedi 28 avril dernier mon article La superbe entreprise du violoniste Johannes Pramsohler et des disques Audax

sur mon blog _ toujours aussi discret sur la page d’accueil Mollat… _ En cherchant bien :

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Ce n’est pas le premier CD de la marque Audax qui attire mon attention,

et plus encore me séduit.

Mais il me faut reconnaître qu’avec le CD German Cantates with Solo Violin (le CD Audax ADX 13715) un nouveau palier de perfection de réalisation vient d’être atteint.

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Le passionnant programme de ce magnifique CD _ dans le registre de l’intimité d’une foi grave et profonde : voilà ! _ concerne des compositeurs _ décédés en 1697 (Nicolaus Bruhns), 1703 (Johann Christoph Bach I), 1704 (Heinrich Ignaz Franz Biber), 1706 (Johann Pachelbel) et vers 1715 (Daniel Eberlin) _ qui touchent de très près _ sauf peut-être l’autrichien Biber _ la très concrète formation musicale de Johann-Sebastian Bach, né le 21 mars 1685 à Eisenach ; et la ville même d’Eisenach.

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Magnifique compositeur, Johann-Christoph Bach I (Arnstadt, 6-12-1642 – Eisenach, 31-3-1703) était le cousin germain de Johann-Ambrosius Bach (Erfurt, 22-1-1654 – Eisenach, 22-1-1695), le père de Johann Sebastian ; ainsi que l’oncle de Maria Barbara Bach (Gehren, 20-10-1684 – Köthen, 7-7-1720), la première épouse de Johann Sebastian.

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Johnnn Pachelbel (Nuremberg, 1-9-1653 – Nuremberg, 3-3-1706) fut organiste une année à Eisenach, en 1677, où Daniel Eberlin dirige la musique de la cour du duc de Saxe ; et où il devient l’intime de Johann Ambrosius Bach ; Eisenach qu’il quitta le 18-5-1678, pour Erfurt _ où il va demeurer 12 ans _, et où il est logé par un autre cousin Bach, Johann Christian I (qui décédera en 1782). Le lien est fort entre Pachelbel et les Bach…

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Daniel Eberlin (Nuremberg, 4-12-1647 – Kassel, ca 1715) est maître de chapelle à Eisenach de 1689 à 1692.

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Quant à Nicolaus Bruhns (1665-1697), élève de Dietrich Buxtehude, sa musique fut très tôt connue et aimée et étudiée de Johann Sebastian Bach…

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Seul le rapport entre Johann Sebastian Bach et Biber (1644-1704) demanderait à être davantage éclairci, dans la mesure où leurs chemins _ à la fois géographiques, si je puis dire, et familiaux… _ ne se sont pas croisés.

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Bref, un programme aussi passionnant et merveilleux

que magnifiquement interprété,

avec une émotion intense somptueusement perceptible.

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Ce samedi 28 avril 2018, Titus Curiosus – Francis Lippa

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Et voici quel est ce jeudi 2 août l’article de Maciej Chiżyński sur le site de Res Musica :

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CANTATES ALLEMANDES D’AVANT BACH PAR JOHANNES PRAMSOHLER

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Le 2 août 2018 par Maciej Chiżyński

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CD, Musique d’ensemble

Audax Records

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Œuvres de Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) ; Johann Christoph Bach (1642-1703) ; Johann Pachelbel (1653-1706) ; Nicolaus Bruhns (1665-1697) ; Daniel Eberlin (1647–vers 1715).

Nahuel di Pierro, basse. Andrea Hill, mezzo-soprano. Jorge Navarro Colorado, ténor. Christopher Purves, basse. Johannes Pramsohler, violon solo et direction. Ensemble Diderot.

1 CD Audax Records.

Enregistré en mars 2017 à l’abbaye Notre-Dame de Fontevraud.

Textes de la notice en anglais, allemand, français et japonais. Durée : 77:40

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Johannes Pramsohler, à la tête d’un quatuor de solistes et de l’Ensemble Diderot, rend hommage aux cantates allemandes sacrées pour une ou deux voix, violon et basse continue, écrites par des compositeurs nés avant Johann Sebastian Bach, celui qui perpétua le modèle du genre.

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En parlant des enregistrements consacrés aux cantates allemandes élaborées avant que les premières écritures de Bach aient vu le jour, on pense tout de suite à des projets semblables entrepris jadis par les dignes prédécesseurs de Pramsohler : Reinhard Goebel (et à son disque intitulé De profundis, édité chez Archiv Produktion) et Philippe Herreweghe (Deutsche Kantaten, Harmonia Mundi). Si le fondateur et directeur du Musica Antiqua Köln nous fait percevoir une certaine austérité, voire une sècheresse sonore (pas émotive) des pages abordées, mais également l’une des voix de basse les plus envoûtantes de ce répertoire, le chef gantois offre une vision poétique et humaniste des œuvres interprétées en y apportant – par l’intermédiaire de son chœur – de la luminosité et de l’ardeur.

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Johannes Pramsohler combine ces deux approches en les enrichissant d’éléments de brio (les nombreux passages pour violon seul) et de couleurs _ voilà. C’est de cette façon que dans les cantates proposées, il cherche (et trouve !) autant de lyrisme que de virtuosité _ oui _, de limpidité narrative que de l’intensité expressive _ absolument. Pour équilibrer ces paramètres, et afin de rendre ces prestations parfaitement cohérentes, il met en lumière la finesse _ oui _ des contours, la douceur _ oui _ des accents et des harmonies, la majesté _ certes _ vocale, de même qu’une bonne dose de ferveur _ oui _ et de tension _ oui _ dramatique, celles-ci résultant particulièrement de la lecture rhétorique du texte et de l’apport émotionnel assuré par les musiciens placés sous sa direction, également ceux du continuo.

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En ce qui concerne les solistes, la voix de basse de Nahuel di Pierro, satinée et chaleureuse _ oui _, résonne comme une cloche, par la pureté du timbre et le raffinement des phrasés, et en révélant une profondeur _ absolument _ d’ordre spirituel. Celle d’Andrea Hillse fait remarquer par sa légèreté et la délicatesse _ voilà _ des teintes, celle de Jorge Navarro Colorado se caractérise par la netteté _ oui _ et la fermeté de sa ligne de chant, tandis que celle de Christopher Purves – qui n’apparaît que dans la cantate Laetatus sum pour deux basses, violon, trois altos et basse continue de Biber, pour laquelle il se joint à Nahuel di Pierro – déçoit par son manque de relief et d’engagement _ voir mon commentaire tout à fait concordant de cette remarque ci-dessous. Quand au violon solo (construit en 1713 par Pietro Giacomo Rogeri), Pramsohler fait vibrer ses cordes avec aisance, assurance et beaucoup de sentiment _ c’est décisif _, émerveillant par un jeu brillant et énergique _ oui _, au timbre clair et juteux _ c’est cela _, et orné de nombreuses colorations et humeurs _ parfaitement.

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Voici un excitant voyage au cœur du baroque allemand, pour lequel Johannes Pramsohler et ses camarades nous font découvrir quelques raretés méconnues du répertoire. Le résultat est aussi fascinant qu’aiguisant notre appétit _ mais oui ! _ pour plus d’enregistrements, surtout que l’une des pièces présentées ici se voit immortalisée pour la première fois au disque : la cantate Ich will in aller Not de Daniel Eberlin, auteur oublié – officiellement nommé maître de chapelle de la cour ducale d’Eisenach en 1685, l’année de naissance de Bach –, dont on ne connaît même pas la date exacte du décès

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Pour, de ma part, ce 2 août,

cette remarque de détail _ tout à fait concordante avec celle de Maciej Chiżyński ! _

à propos de la basse Christopher Purves _ interprète d’Arcangelo, que dirige l’excellent Jonathan Cohen _,

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voir mon article tout récent (de samedi dernier, 28 juillet) :

Arcangelo et son chef, Jonathan Cohen : suite…

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Pour poursuivre mes éloges de l’Ensemble Arcangelo et de son chef Jonathan Cohen

_ cf mes articles récents du 18 avril, 10 juin et 19 juin derniers :

Un merveilleuxx Magnificat de Jean-Sébastien Bach, par Arcangelo et Jonathan Cohen

Un chef baroque vraiment épatant : Jonathan Cohen à la tête d’Arcangelo

et A nouveau Arcangelo et Jonathan Cohen dans de parfaites Leçons de Ténèbres de Marc-Antoine Charpentier… _,

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je désire signaler

que ma relative déception _ voilà ! _ à l’égard du CD tout récent Handel’s Finest Arias for Base Voice-2, de l’ensemble Arcangelo et la basse Christopher Purves (un CD Hyperion CDA 68152), enregistré en 2016 et 17, et paru en 2018,

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est largement compensée par l’écoute _ bien plus satisfaisante _ du premier volume Handel’s Finest Arias for Base Voice par les mêmes interprètes (CD Hyperion CDA 67842),

enregistré et paru en 2012.

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Le contraste résulte

et du vieillissement de la voix du chanteur _ la basse Christopher Purves _,

mais aussi, probablement, du choix du répertoire interprété :

une veine lyrique et tendre _ telle celle de Polyphème dans Acis & Galathée _

lui convenant audiblement mieux qu’une veine un peu plus héroïque…

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Ce samedi 28 juillet 2018, Titus Curiosus – Francis Lippa

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Voilà !

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Ce jeudi 2 août 2018, Titus Curiosus – Francis Lippa

Pour en apprendre un peu plus sur Johannes Pramsohler, violoniste et créateur des disques Audax

13mai

Voici déjà quelques temps que j’apprécie les CDs Audax

que publie _ et interprète parfois _ le violoniste italien (du Sud-Tyrol) Johannes Pramsohler :

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ainsi les excellents CDs

Bach & Weiss, par Johannes Pramsohler, baroque violin, et Jadran Duncum, baroque lute (Audax ADX 13706),

Handel Works for keyboards, par Philippe Grisvard (ADX 13709),

French Sonatas for Harpsichord and Violin, par Philippe Grisvard et Johannes Pramsohler, violin (ADX 13710)

et German Cantatas with Solo Violin, par Nahuel Di Pierro, basse, Johannes Pramsohler, violon, Andrea Hill, soprano, Jorge Navarro Colorado, tenor, Christopher Purves, basse, et l’Ensemble Diderot (ADX 13715) _ sur ce dernier CD cf mon article du 28 avril dernier : La superbe entreprise du violoniste Johannes Pramsohler et des disques Audax… _

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Or voici que le site Res Musica vient de publier hier un excellent article sur le double CD Audax 13710 des Sonates françaises pour clavecin et violon, par Philippe Grisvard et Johannes Pramsohler.

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Le voici donc _ avec l’ajout de menues farcissures miennes, en vert _ :

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SONATES FRANÇAISES POUR CLAVECIN AVEC ACCOMPAGNEMENT DE VIOLON

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Le 12 mai 2018, par Maciej Chiżyński

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CD, Musique de chambre et récital

Audax Records

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Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772) : Sonata I en sol mineur ; Sonata VI en la majeur.

Louis-Gabriel Guillemain (1705-1770) : Sonata V en ré majeur ; Sonata VI en sol mineur ; Sonata IV en do mineur.

Jacques Duphly (1715-1789) : « La de Casaubon », « La du Tailly », « La de Valmallette » ; « Ouverture », « La de May », « La Madin ».

Michel Corrette (1707-1795) : Sonata IV en mi mineur.

Claude Balbastre (1724-1799) : Sonata I en sol majeur.

Luc Marchand (1709-1799) : Première suite avec accompagnement de violon en la mineur.

Charles-François Clément (c. 1720-1782) : Sonata I en do mineur.

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Philippe Grisvard, clavecin ; Johannes Pramsohler, violon.

2 CD Audax Records.

Enregistré en avril 2016 au SWR Studio Kaiserslautern.

Textes de présentation en français, anglais, allemand et japonais.

Durée : 1:50:23

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Le claveciniste Philippe Grisvard et le violoniste Johannes Pramsohler nous présentent, pour leur troisième album enregistré en duo, une dizaine de sonates pour clavecin avec accompagnement de violon, genre en vogue sous le règne de Louis XV, dans les années 1740-1760. En offrant un beau bouquet de compositions méconnues, parmi lesquelles cinq sont des premiers enregistrements mondiaux, cette production est une aubaine _ mais oui ! _ pour tous les admirateurs de la musique d’alors.

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L’âge du baroque tardif a vu naître en France un nouveau genre de musique instrumentale _ voilà ! _ : la sonate pour clavecin avec accompagnement de violon. Une telle combinaison d’instruments, sous forme de sonates en trio, avait déjà été proposée par Jean-Sébastien Bach pour son cycle BWV 1014-1019, composé aux alentours des années 1720-1723, pour lequel, cependant, la voix supérieure du clavecin et celle du violon étaient mises sur un pied d’égalité, tandis que pour les sonates françaises, la partie de violon était estimée de moindre importance par rapport au rôle tenu par l’instrument à clavier _ telle est donc la différence…

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En parlant de cette innovation, nous pouvons résolument utiliser le terme _ expression plutôt _ de « révolution esthétique » car, jusqu’alors, dans la musique pour plus d’un instrument, que ce soient des sonates ou des suites, l’accompagnement était destiné à être réalisé par le continuo _ voilà. Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville décide – en vue d’explorer de nouvelles manières de s’exprimer – de confier au clavecin aussi bien la basse qu’une voix de dessus, et de les enrichir de « commentaires » donnés par une seconde voix de dessus exprimée par le violon. C’est ainsi qu’il fait publier, en 1740, ses Pièces de clavecin en sonates avec accompagnement de violon. Dans l’avant-propos de ce recueil, il note : « Il y a peut-être plus que de la témérité à donner aujourd’hui de la musique instrumentale au public. On a mis au jour depuis quelques années un nombre si prodigieux de sonates de toute espèce qu’il n’est personne qui ne croie que ce genre est épuisé. Cependant […] je me suis appliqué à chercher du nouveau » _ oui.

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D’une part, les sonates de Mondonville présentent une division en trois mouvements empruntée à la sonate italienne ; d’autre part, on y perçoit un certain raffinement des lignes et le culte du détail caractéristiques de la musique française de l’époque _ bien sûr !

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Le paysage de la musique de chambre en France fut dès lors changée de manière considérable. D’autres recueils, publiés par les contemporains de Mondonville, lui ont succédé : les Sonates pour le clavecin avec un accompagnement de violon que Michel Corrette fait éditer en 1742, pour lesquelles il affirme qu’elles peuvent être exécutées « sur le Clavecin seul », et celles de Charles-François Clément (1743), pour lesquelles la position du violon est affermie (du moins d’après leur titre : Sonates en trios pour un clavecin et un violon) par rapport à celle du clavecin. En 1745 voient le jour les sonates de Louis-Gabriel Guillemain, pour lesquelles la partie de clavecin, très athlétique, surpasse, du point de vue des difficultés techniques, celle laissée par Mondonville ; puis en 1747 sont publiées les suites de Luc Marchand, dans lesquelles le clavecin se voit rejoint non seulement par le violon, mais également par d’autres instruments ; en 1748 paraissent trois Pièces de Clavecin en Sonates avec accompagnement de violon de Claude Balbastre ; finalement, Jacques Duphly fait sortir, en 1756, son Troisième Livre de Pièces de Clavecin, renfermant six courtes pièces écrites selon le modèle laissé par Mondonville _ cet éclairage historico-musicologique est très intéressant.

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Prestations puissantes, élégantes et ciselées

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Pour ce qui est des exécutions, Philippe Grisvard et Johannes Pramsohler mènent une conversation galante _ voilà _ qui, malgré un léger manque de théâtralité rhétorique, convient étonnamment au goût français, en s’inscrivant dans la tradition qui consiste à mettre en lumière aussi bien la beauté même de la musique que la richesse des nuances _ oui : un goût français _ dont celle-ci s’accompagne. C’est ainsi qu’on admire la netteté du contour et la maîtrise des ornements (dont la majorité ont été annotés de la main des compositeurs _ c’est à souligner : marquant un tournant d’époque _), de même que l’importance de la mise en valeur de la pulsation _ oui _ et, pour la plupart des mouvements extrêmes, d’une certaine vivacité des tempi. Celle-ci accuse le côté expressif, voire émotif _ oui : anticipant en quelque sorte le moment de l’empfindsamkeit… _ de ces partitions, et pourtant, n’affecte pas leur charme ni leur grâce, en y apportant au contraire de la fraîcheur _ très bien.

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Pour la plupart des compositions présentées dans cet album, le violon s’implante _ voilà _ au sein du tissu acoustique du clavecin afin de perfectionner la partie de ce dernier, conçue comme un centre de gravité _ voilà _ autour duquel tourne son satellite. Si dans cet enregistrement l’instrument à clavier se caractérise par un geste simple et introverti (ce qui ne veut pas dire qu’il a tendance à se retirer du dialogue), à savoir étudié plutôt que spontané, et équilibré plutôt qu’impératif – en quelque sorte, le contraire de ce que nous propose Christophe Rousset dans sa récente interprétation de la Sonate en sol majeur de Balbastre –, le violon se montre un meneur de jeu éblouissant _ voilà _ de virtuosité (sonates de Mondonville et Guillemain), de poésie (celle de Corrette), de tendresse (celle de Clément) et de douceur (la suite de Marchand et la sonate de Balbastre) _ c’est remarquablement dégagé.

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Accordés à une fréquence de 415 Hz, les deux musiciens déploient une belle sonorité baroque, se distinguant par un large éventail de teintes et, surtout pour le violoniste – jouant d’un instrument construit en 1713 par Pietro Giacomo Rogeri, ayant appartenu à Reinhard Goebel à l’époque des plus grands succès de Musica Antiqua Köln – par une articulation agile, précise et, à la fois, élégante _ à la française. Les phrasés « chantants » de Johannes Pramsohler impressionnent autant par la délicatesse et la densité que par la clarté, voire la luminosité du timbre _ mais oui. On doit admettre que cet instrument a trouvé un digne successeur ! _ à Reinhard Goebel…
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Voici une belle proposition discographique _ oui _ dont ne peuvent se passer les amoureux de la musique instrumentale baroque _ en un des pans méconnus. En trouvant le plaisir d’écouter les enregistrements offerts par le tandem de luxe Philippe Grisvard-Johannes Pramsohler, il faut espérer que ce répertoire continuera à être exploré.

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Merci à Maciej Chiżyński de cette qualité d’écoute,

au service de l’intelligence de sa propre curiosité musicale.

Et la passion de la curiosité est immensément féconde.

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Et merci à Res Musica.

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Ce dimanche 13 mai 2018, Titus Curiosus – Francis Lippa

En cherchant bien…

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