Pour son nouveau disque de concertos pour piano de Dvořák et Martinů, Ivo Kahánek impressionne _ voilà ! _ par deux fois.

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Né en 1979, Ivo Kahánek est l’un des plus importants, sinon le plus grand _ dont acte ! _ pianiste tchèque de la jeune génération. En 2004, il a remporté le Concours international de musique du Printemps à Prague. À cela s’ajoutent des distinctions reçues à d’autres compétitions prestigieuses, comme le Concours international de piano Maria Canals à Barcelone ou le Concours international de piano Frédéric Chopin de Marienbad. Suite à ces succès, il s’est vu inviter en août 2007 par la BBC afin de jouer aux Proms, au Royal Albert Hall à Londres, accompagné du BBC Symphony Orchestra sous la direction de Jiří Bĕlohlávek, ce concert ayant été transmis à la télévision, ainsi qu’enregistré et rendu disponible en téléchargement numérique sur le site de Deutsche Grammophon. À Monte-Carlo, il a été remarqué dans nos colonnes pour sa « technique impeccable et musicalité profonde ».

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Ces dernières années, le jeu d’Ivo Kahánek a gagné en maturité. Délibérément non démonstratif ni virtuose _ voilà _, il se montre, dans le Concerto pour piano et orchestre en sol mineur op. 33 d’Antonín Dvořák, un pianiste ou plutôt un musicien romantique par excellence : les phrasés qu’il développe, si soigneusement peaufinés sous ses doigts, saisissent par leur chaleur _ oui _ dans tous les registres, scintillant dans les aigus, caressant les oreilles par la mise en valeur de la douceur vocale _ oui _ de la ligne mélodique, même dans les arpèges exécutés legato. Bien que le fil narratif soit ici entièrement soumis à une conception foncièrement réfléchie, cette lecture déborde de fraîcheur et de musicalité _ et c’est fondamental, bien sûr. Voici un chant profond _ oui _ faisant penser à « une âme qui se rend sensible », pour évoquer le dire d’Honoré de Balzac, et que nous savourons mesure par mesure, ensorcelés par cette beauté lyrique omniprésente _ voilà.

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Pour le Concerto pour piano n° 4 « Incantation » de Bohuslav Martinů, capté lors d’apparitions publiques d’Ivo Kahánek, et proposé par lui auparavant au Royal Albert Hall, il impressionne par le raffinement et la précision de son toucher _ très martiniens ! _ au travers d’une partition riche en couleurs et parsemée de touches contrastées. Puis, par la manière dont il en relie des différents épisodes en une histoire, et ce, pour nous offrir une interprétation baignée d’une multitude d’ambiances, mais aussi tout à fait cohérente. Pour cela, on apprécie également l’apport de Jakub Hrůša, un chef dont les dernières prestations données à la tête du même orchestre, et en matière de la musique symphonique (deux albums du label suisse Tudor, regroupant des partitions de Brahms et de Dvořák), manquaient de ferveur et de panache. Sur ce disque, il se montre un accompagnateur en harmonie parfaite avec le jeu poétique _ voilà _ du soliste. Cette parution a un atout encore : une bonne restitution de la splendeur de l’acoustique de la Joseph-Keilberth-Saal à Bamberg. Un must pour les amateurs du piano.

Après un disque consacré à Stanisław Moniuszko, Cyprien Katsaris célèbre Ludwig van Beethoven, nous entraînant dans un extraordinaire voyage de plus de sept heures de musique à travers compositions originales et transcriptions.

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Ce n’est pas la première fois que Cyprien Katsaris se lance à la poursuite des raretés du répertoire beethovénien : dans les années 1980, il fut la deuxième personne dans le monde, après Idil Biret, à avoir gravé – pour Teldec – la totalité des symphonies dans la transcription de Franz Liszt _ oui. Cette fois-ci, au menu, figurent aussi bien des partitions phares de la littérature pour piano (comme les sonates « Clair de lune » et « Appassionata ») que des pages à peine esquissées, comme l’Introduction. Andante maestoso extraite du Quintette à cordes en ut majeur dans la transcription d’Anton Diabelli. Pour les sonates pour piano, nous en avons une huitaine, soit un quart de l’intégrale, dont Katsaris nous donne un raccourci cohérent, de la première à la dernière de ces œuvres.

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Concernant les transcriptions, on notera que certaines d’entre elles sont particulièrement réussies, tandis que d’autres nous paraissent d’importance secondaire. Parmi les plus belles transcriptions, on compte notamment celle du troisième mouvement de la Symphonie n° 9, faite par Richard Wagner. Sous les doigts de Katsaris, elle offre une atmosphère intimiste, évoquant une grande toile impressionniste, mais surtout elle permet de savourer la délicate poésie de cette page. On se délecte également de la brillantissime transcription du premier mouvement du Quatuor à cordes op. 18 n° 4, effectuée par Gustav Rösler, comme de celle du deuxième mouvement de la Sonate pour piano et violon n° 9 « À Kreutzer », due à Carl Czerny. Pour celle-ci, on admire la vigueur et la légèreté dans les batteries (par l’intermédiaire desquelles le piano imite les coups d’archet du violon), ainsi que l’intensité des arpèges.

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Le programme du coffret est ordonnancé par ordre chronologique (par dates de compositions _ voilà ! _ et non par celles de la publication des opus), formant ainsi un ensemble permettant de tracer l’évolution du style du maître de Bonn _ oui _ depuis les poétiques et chaleureuses Variations sur une marche de Dressler WoO 63 qui datent de 1782 (Beethoven n’avait alors que douze ans), jusqu’aux Quintette à cordes en ut majeur et Plaisanterie musicale sur des motifs du « Rätselkanon », élaborés dans les années 1826-1827.

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Force est de constater que la période allant de 1782 à 1827 est une époque primordiale dans l’évolution de l’interprétation pianistique _ du classicisme au romantisme. Pour Beethoven, c’était assurément le facteur virtuose _ voilà _ qui eut le plus grand impact sur le développement de la texture du piano dans sa musique solo. Parmi les progrès les plus significatifs _ et c’est très intéressant ! _, listons :

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– la recherche d’une gamme de couleurs toujours plus large par l’intermédiaire de la pédalisation, de l’enrichissement des effets de l’articulation, ainsi que de la variété des notations musicales propres à l’expression (les dernières sonates, très précises au niveau de l’écriture, en témoignent) ;
– l’élargissement de l’étendue dynamique et de la gamme des nuances dynamiques intermédiaires ;
– la découverte des qualités expressives du volume sonore et du rôle dynamique de l’accord ;
– l’épaississement de la texture à travers des figurations (comme dans les Variations n° 7 et n° 8 WoO 80) ;
– la mise en valeur d’effets renvoyant à la spontanéité et faisant de cette façon penser à une improvisation virtuose _ oui ! _ ;
– le rapprochement de la texture du piano de celle des œuvres symphoniques (un procédé perceptible dans des pages façonnées entre environ 1800 et 1815 ; la Sonate pour piano n° 23 _ Appassionata _ en est le sommet).

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Si, dans l’ensemble, les prestations données par Cyprien Katsaris reflètent cette recherche de Beethoven d’une gamme de teintes plus large, elles manquent en même temps, par moments, de cette fraîcheur _ ah ! _ qui ferait immédiatement penser à l’improvisation _ que l’on trouve dans les interprétations si merveilleusement vivantes de Stephen Kovacevich et Ronald Brautigam ! Certes, le pianiste est sensuel et parfois aussi théâtral, dans le bon sens du terme. On dirait que, ces dernières décennies, son jeu a pris du poids, mais également qu’il est devenu plus opulent, qu’il a gagné en rondeur et en raffinement des couleurs, particulièrement pour les mediums graves. Dans ces interprétations, nous sommes principalement saisis par la plasticité du relief des textures, par la manière dont il joue les gammes, les trilles et les batteries – très évocatrice –, de même que par le caractère réflexif voire contemplatif des morceaux (ou, pour les sonates, des mouvements) soumis à des tempos lents. Nous y savourons la douceur de l’attaque des touches comme l’ampleur de la respiration, l’humour comme le sérieux, l’élégance et la suggestivité. Quelle bravoure dans l’exécution du Rondo alla ingharese quasi un capriccio (Colère pour un sou perdu, déchargée dans un caprice) en sol majeur op. 129 ! Katsaris parvient à y garder la clarté des textures et l’intensité de l’expression malgré un mouvement follement rapide.

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Dans les sonates, Katsaris nous sert un jeu refusant tout monumentalisme, jamais monolithique, axé sur la transparence des plans sonores comme sur la rigueur rythmique. On ne trouvera pas ici de mièvrerie liée à la mise en œuvre de « soupirs » ni de « sanglotement ». Nous avons, en revanche, cette constante recherche de lisibilité et de l’expressivité apte à pousser ces prestations en dehors des limites de l’écriture pour le piano, afin de rapprocher quelques-unes de ces pages au plus près de la musique symphonique. Ainsi, le mouvement final de la Sonate pour piano n° 14 _ Clair de lune _ est tel un volcan au début de l’explosion : furibond, fiévreux, impétueux mais sans lourdeur excessive, bien au contraire, plutôt rafraîchissant, se déployant dans un exceptionnel équilibre _ et voilà parfaitement énoncés quelques traits essentiels de l’idiosyncrasie beethovienne.

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À l’inverse, certaines lectures sont curieusement statiques, centrées sur la « dimension horizontale », comme celle de la Grande sonate pour le piano d’après le Trio à cordes en mi bémol majeur op. 3 ou encore, par instants, celle de la Sonate pour piano n° 23 _ Appassionata _, où l’on aurait aimé percevoir un peu plus d’allant _ ah ! _, plus de souplesse, et une attention accrue accordée aux micro-détails de l’agogique _ et c’est là capital, voire rédhibitoire… Serait-ce là, la conséquence d’une fatigue _ ah ! _ accumulée lors de sessions d’enregistrement trop longues ?

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Prêtons aussi l’attention au côté éditorial de cette parution : le coffret est solide et soigné. Le livret, en papier craie de haute qualité, offre des informations techniques précises sur les gravures – y compris celles sur les microphones et les convertisseurs utilisés – tout autant que la présentation, par Cyprien Katsaris lui-même, des œuvres proposées. On notera que la prise de son est équilibrée et riche en harmoniques, en permettant d’apprécier pleinement le jeu du pianiste.

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Voici l’une des plus belles surprises du commencement de cette année Beethoven 2020. Un événement discographique à ne pas rater _ je note.

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L’année qui vient de se terminer nous a apporté deux disques de sonates de Scarlatti jouées au clavecin par le maître et son élève _ en effet. Deux parutions dont la comparaison ne manque pas de surprendre.

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L’album signé Pierre Hantaï, intitulé « 6 » (le sixième volume de la série en cours _ admirable ! _ que l’artiste consacre au compositeur italien), n’a pas besoin de recommandation, tellement l’interprète est réputé _ certes _ dans le milieu des clavecinistes. Du point de vue de l’expressivité, ses prestations sont comme l’eau d’un torrent de montagne : limpides et fraîches _ et bien plus que cela ! J’y sens aussi le feu… Cette dernière particularité est partiellement due à la spécificité du timbre du clavecin, autant que, paradoxalement, à la façon secco dont il fait sonner les accords. Conjugués à une certaine irrégularité du pouls, ceux-ci donnent à cette lecture un cachet de modernité (K. 119) _ hum… _, en la plaçant, en quelque sorte, à l’opposé de la réalisation de Scott Ross.

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Dès le début de son disque, Hantaï nous immerge dans l’atmosphère aristocratique de l’univers scarlattien, marquée par le raffinement, une élégance discrète et un caractère tantôt introverti, tantôt réfléchi _ mais pas seulement… Ceci est un univers « ibérique » _ certes ! _ à la fois, dans le sens où le geste purement virtuose et rhétorique d’Hantaï fait penser, par moments, au fandango voire au flamenco. Or, il captive par une dextérité à couper le souffle (K. 18, K. 43, K. 273, K. 501 et K. 502) comme par un jeu énergique, mais confinant çà et là à la raideur _ là, le jugement est excessif _ , et pouvant manquer de spontanéité et de chaleur _ non. Au fil de l’écoute, l’engagement émotionnel paraît manquer _ non. En revanche, nous y percevons le soin du détail, ainsi que cette volonté de séduire _ non plus _ par une précision d’orfèvre et la perfection technique _ un souci assez étranger au jeu de Pierre Hantaï…

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De l’autre côté du miroir, nous avons Lillian Gordis, une instrumentiste née en 1992. Ayant suivi l’apprentissage auprès dudit Pierre Hantaï (dont le frère, Jérôme Hantaï, forme un duo avec elle depuis 2018), Skip Sempé et Bertrand Cuiller, elle publie son premier disque, intitulé « Zones ». Les interprétations de la jeune artiste envoûtent aussi bien par leur fraîcheur que par leur poésie. D’une respiration naturelle, elles sont chantantes et dionysiaques. Qu’importe le ton froid des graves du clavecin, elles sont chauffées à blanc par l’animation et le sens du panache _ sans doute. Voici une Martha Argerich du clavecin !

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La soliste saisit également par la maîtrise de l’agogique. Ainsi, les phrasés se parent d’ampleur et de profondeur. Les pauses et les suspensions sont empreintes de signification, et les accents rythmiques sont estampés avec autant de brio qu’ils transforment ces miniatures en récits passionnés, même celles d’une écriture modeste et simple. Là où les accords d’Hantaï frappent par l’aridité _ non _ dans la sonate K. 119, ceux de Lillian Gordis débordent de musicalité. Derrière ses exécutions se cache l’envie d’émouvoir par des histoires _ hum… _ d’une grande variété d’ambiances : la délicatesse (K. 87 et K. 474), la distinction (K. 262), une théâtralité empreinte de rêverie (K. 402), la contemplation (K. 516) et l’ardeur (K. 248).

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